Narodzenie Chrystusa w formie przedstawionej w sztuce

Ludzie zajmujący się poezją i sztuką są produktywni tylko wtedy, gdy są religijni 1 Nasz wiek, który tak bardzo zgrzeszył, jak to nazywa apostoł, porwany przez „wiatry doktryny”, jednocześnie, być może bardziej niż inne, przyczynił się do rozwoju świadomości religijnej w świecie chrześcijańskim. Przynajmniej pod jednym względem jest to niezaprzeczalne, a pod względem niezwykle ważnym, a mianowicie w badaniu ziemskiego życia Pana naszego Jezusa Chrystusa. Żadna inna epoka nie może poszczycić się taką pilnością w badaniu tej niezwykle ważnej dziedziny wiedzy teologicznej i nigdy wcześniej w stosunkowo krótkim czasie nie pojawiła się tak niemal ogromna literatura, jaką nasza epoka może w pełni pochwalić się w odniesieniu do tej tematyki. Oczywiście, wśród tej literatury znajdują się dzieła, których zadaniem wcale nie było to, co samo w sobie może w pełni odpowiadać najgłębszej prośbie ludzkiego ducha, a mianowicie nie chęć lepszego poznania naszego Pana poprzez dokładne studiowanie wszystkich okoliczności Jego ziemskiego życia, ale chęć usunięcia boskiej aury z głowy Boga-Człowieka; dzieła te nie pozostały jednak bez wkładu w ten niezwykle ważny ruch, posłużyły bowiem jako główna zachęta dla nauk teologicznych do podjęcia pozytywnego studiowania życia Pana Chrystusa z tak niespotykaną gorliwością. Z tej strony jest oczywiste, że literatura negatywna, jak każde negatywne zło, dobrze przysłużyła się ogólnej gospodarce, w ogromnym stopniu przyczyniając się do przebudzenia uśpionych w bezczynności dobrych sił. Bez osławionych dzieł Straussa i Renana trudno byłoby spodziewać się tak ogromnego wzrostu sił teologicznych w walce z niewiarą i zaprzeczeniem, który zaowocował najbogatszą literaturą dotyczącą studiowania ziemskiego życia Jezusa Chrystusa – literaturą, w porównaniu z którą dzieła negatywne toną jak krople w morzu. Ale obok nauki sztuka nie wykonała w tej dziedzinie mniej pracy. To dwie siostry, córki tego samego ducha, które zawsze współpracują, chociaż różnymi narzędziami. To, co nauka wytwarza poprzez swoje badania i ucieleśnia w literaturze, ta sama sztuka ucieleśnia w obrazach artystycznych, a ten ścisły związek między nimi wyjaśnia niewątpliwy fakt, że te same tendencje wywierają ten sam skutek zarówno w dziedzinie nauki, jak i sztuki. Kiedy na przykład w średniowieczu nauka została całkowicie podporządkowana teologii, tak że nawet „filozofia była służebnicą teologii”, wówczas sztuka nosiła niezatarty ślad tej przewagi religii, tak że wszystkie jej najlepsze dzieła znajdowały się właśnie w dziedzinie życia kościelno-religijnego i nosiły piętno wzniosłej duchowości, tego ucieleśnienia nieskończoności w skończoności, co szczególnie wyróżnia się sztuką średniowieczną. A potem, gdy nauka wytyczała dla siebie nowe ścieżki badawcze, gdy otworzyły się przed nią nowe obszary ogromnej wiedzy w świecie przyrody, wówczas sztuka zaczęła przedstawiać właśnie ten świat, w wyniku czego obniżył się jej ton, zwłaszcza że artyści zapragnęli wcisnąć wszystko, co boskie i nieskończone, w granice tego, co ludzkie i skończone. To wyjaśnia surowy realizm, który wielokrotnie dał się odczuć w najnowszych dziełach sztuki, zarówno zagranicznych, jak i rosyjskich, z dziedziny religii (w dziełach Vereshchagina, Ge, Repina itp.). Ale ten realizm artystyczny, będący owocem chwilowego zauroczenia „wiatrami nauczania”, oczywiście jeszcze mniej może liczyć na prawo obywatelskie w sztuce niż w nauce, gdyż dla sztuki być niewolnikiem takiego realizmu oznacza porzucić swój własny cel i znaleźć się w sprzeczności z samą sobą. Dlatego prędzej czy później zrzuci to tymczasowe jarzmo i ponownie, wskrzeszony duchowo, wejdzie w sferę swobodnej twórczości, dla której boskość i nieskończoność są właśnie ideałem reprodukcji tego, co ludzkie i skończone. I wtedy właśnie to znajdzie swą najwyższą inspirację w tym boskim życiu, które... inspirowało znakomitych artystów, rozsławiając ich imię w całym świecie chrześcijańskim. Sztuka malarska od dawna, można rzec od samego nadejścia chrześcijaństwa, oddawała się służbie religii i ze szczególną gorliwością odtwarzała ziemskie życie Pana Jezusa Chrystusa, słusznie widząc w nim boski wzór życia wszystkich ludzi. Z początku jednak podchodził do tego tematu z dużą ostrożnością, a ponieważ w świecie pogańskim był skażony serwowaniem wszelkich obrzydliwości pogańskich bożków i absurdów pogańskich mitologii, nie odważył się nawet bezpośrednio reprodukować wizerunków Boskiego Odkupiciela i reprodukował Go pod różnymi formami symbolicznymi – barankiem, rybą, kotwicą itp. Jednak później, gdy pogaństwo straciło już swą siłę, a wpływ na sztukę osłabł, wówczas ten ostatni, po oczyszczony z przesytu zmysłowości i zainspirowany nowym duchem, zaczął przedstawiać Boga-Człowieka i wszystkie okoliczności Jego życia w bezpośrednich, rzeczywistych formach, zwłaszcza że sam Kościół uświęcił to użycie sztuki, dopuszczając ją jako integralną część swoich sakralnych obrzędów. Od tego czasu sztuka niestrudzenie pracowała nad odtworzeniem wszystkich najważniejszych wydarzeń z ziemskiego życia Pana Chrystusa, a o tej służbie Jego sprawie Ewangelii może świadczyć załączony szkic najważniejszych dzieł (głównie sztuki średniowiecznej) z historii narodzenia i dorastania Jezusa Chrystusa. 2 I. Narodziny Zbawiciela w obrazie sztuki Trudno wyobrazić sobie wydarzenie, które mogłoby być bogatszym źródłem inspiracji artystycznych niż wydarzenie Narodzenia Pańskiego i towarzyszące mu cudowne okoliczności. Samo Boże Narodzenie, jako urzeczywistnienie tajemnicy wcielenia Boga Nieskończonego, w którym sztuka odnajduje ideał swojej twórczości, stanowiło najbogatsze źródło inspiracji, dlatego zarówno samo wydarzenie, jak i wszystkie towarzyszące mu okoliczności w naturalny sposób nasuwają się na pędzel artysty. Wszystkie te wydarzenia – narodziny Króla wszechświata w nędznej jaskini lub oborze, położenie Niepojętego w żłobie, śpiew aniołów, którzy o północy zwiastowali śpiącej ludzkości narodziny Zbawiciela świata, oddanie Mu czci przez nieszczęsnych pasterzy, przybycie szlachetnych mędrców ze wschodu z darami dla nowonarodzonego Króla Żydów, a w końcu gniew Heroda, który zabił tysiące niewinnych dzieci, ucieczka do Egiptu – wszystkie te i inne wydarzenia, jak w rezultacie od dawna zadziwiały wyobraźnię artystów, którzy starali się ucieleśnić je w odpowiednich obrazach swojej sztuki. Zwróćmy uwagę na najważniejsze z tych obrazów, zarówno w czasach starożytnych, jak i późniejszych. Pierwsze ślady odtworzenia wydarzeń i okoliczności narodzenia Chrystusa znajdują się w katakumbach, a przedstawiony tu obraz (ryc. 1) jest najprawdopodobniej najstarszym z nich. Widzimy na nim wizerunek Matki Bożej – z poważną twarzą i aureolą otaczającą jej głowę – a przed nią znajduje się owinięte Dzieciątko w żłobie przypominającym ławkę, a obok Niego znajdują się głowy zwierząt – wołu i osła, które stają się wówczas tradycyjnymi dodatkami tego typu wizerunków i są niemal niezmiennie powtarzane we wszystkich dalszych reprodukcjach tego wydarzenia. Na tym zdjęciu nie widać samego pomieszczenia, w którym miało miejsce to wielkie wydarzenie. Jednak w kolejnych obrazach artyści podejmują próby zdefiniowania samego pomieszczenia. Według starożytnej legendy, która znalazła miarodajne potwierdzenie w świadectwie błogosławionego Hieronima, Narodzenie Chrystusa miało miejsce w jaskini, która służyła również za stajnię dla zwierząt. Jednak najstarsi artyści pod tym względem już wcześnie zaczęli odchodzić od tej tradycji i zazwyczaj przedstawiali scenę Narodzenia Chrystusa w biednej chacie zbudowanej rękami ludzkimi. Co prawda, jednocześnie łączyli tę scenę z kultem Trzech Króli, którzy według narracji ewangelicznej zastali już „w domu” Dzieciątko i Jego Matkę. Jest to na przykład wizerunek na wyrytym kamieniu z Muzeum Vettari, gdzie obok zwykłej oprawy (dwa zwierzęta) przedstawiona jest gwiazda świecąca nad Dzieciątkiem. 3 Samo wydarzenie Narodzenia Pańskiego było tak radosne, że myślą przewodnią przy jego plastycznym przedstawianiu było właśnie uczucie wzruszenia i radości, które w średniowieczu znalazło wyraz w szczególnej pieśni religijnej, popularnej wówczas na Zachodzie tak samo, jak zastępująca ją później pieśń Jakopsona o cierpieniu Zbawiciela. Wszyscy starożytni artyści w swoich obrazach religijnych starali się wyrazić tę samą myśl, którą nieznany poeta wyraził w następujących słowach: Laetabundam: et ferventem Pertransivit: jubilus.:: 4 : W ogóle starożytni artyści niewiele urozmaicili ten obraz, a na ich obrazach zawsze spotykamy to samo - radosną Matkę Bożą siedzącą przy owiniętych i leżącą w żłóbku Boskiego Dzieciątka, poważnego sprawiedliwego Józefa, pogrążonego w autorefleksji, pasterzy z wyrazem zdziwionej czci na twarzach i u góry - aniołów śpiewających uroczysty hymn: „Chwała Bogu na wysokościach, a na ziemi pokój i dobra wola wobec ludzi”. Zawsze jednocześnie wprowadza się także wołu i osła, zgodnie z tekstem greckim, ze słynnego wersetu proroka Habakuka ἐν μέσῳ δύο ζώων γνωσϑήση – „pomiędzy dwoma zwierzętami będziecie znani” 5. Ta ostatnia cecha tak głęboko wryła się w świadomość, że znalazła wyraz w znany łaciński poemat Pistora „O narodzeniu Pańskim”, w którym czytamy: Puer: natus w Betlejem, Cześć: od: jacet w praesepio Quod puer erat Dominus.: 6 „W Betlejem narodziło się Dzieciątko, Który króluje bez granic. Artystyczne potraktowanie legendy o Narodzeniu Chrystusa w tym tonie trwało niemal bez zmian aż do XIV wieku. Spośród artystów tego rodzaju wyróżnia się Orcagna, którego malarstwo jest po prostu reprodukcją ewangelicznej opowieści o Narodzeniu Chrystusa dla tych, którzy nie umieli czytać; Giotto, który wykazuje oznaki naturalizmu, czyli chęci wprowadzenia w tę opowieść cech czysto ludzkich warunków życia. Stopniowo rozwijało się bardziej artystyczne podejście do tej fabuły. Masolipo da Papicale przedstawia skałę, w której szczelinie, według legendy, pasterze zwykle znajdowali schronienie przed burzami i skała ta zaczęła często pojawiać się w przedstawieniach artystycznych. Paula i Eustochia, towarzyszki błogosławionego Hieronima w pielgrzymce do Ziemi Świętej, w swoim liście z Betlejem do Rzymu do Marcelli piszą: „W wąwozie skalnym narodził się Stwórca firmamentu”. Pobożna wyobraźnia artysty ozdobiła tę skałę, a skała rozkwita jak wiosenne drzewo, aby przyjąć Pana życia. Obecny jest także młody Jan Chrzciciel z krzyżem wykonanym z trzciny. Zawsze Dziewica klęka z rękami złożonymi do modlitwy przed swoim bóstwem. Syn. W niebie widać otwarte ramiona Boga Ojca i Ducha Świętego emanującego w postaci gołębicy w towarzystwie dwóch aniołów. 7 W cerkwi św. Marka w Wenecji znajduje się dobre przedstawienie Narodzenia autorstwa Angelico, który odtwarza je z charakterystyczną prostotą i niebiańskim urokiem. Ale najbardziej niezwykły cykl dzieł artystycznych rozpoczyna się od obrazu Piero della Francesca (w Brytyjskiej Galerii Narodowej). Malarstwo tego artysty jest pełne oryginalności i uroku. Nowo narodzony Chrystus leży na poduszce wśród kwiatów, unosząc swoje małe rączki. U Jego stóp, klęcząc w modlitwie, stoi Najświętsza Maryja Panna w boskiej prostocie. Za nią sprawiedliwy Józef siedzi na siodle, obejmując rękami kolano, a za nimi stoją pasterze, z których jeden wskazuje na niebo. Dalej widać ruiny stodoły, na dachu której porośnięta trawą siedzi sroka. 8 Na prawo miasto, na lewo dolina ze skałami i drzewami. Ptaki można zobaczyć tu i ówdzie w całym krajobrazie. Pomiędzy stodołą a Dzieciątkiem stoi grupa aniołów z instrumentami muzycznymi w rękach. Jak anioły nie rzucają cieni, lecz otwierają usta jak śpiewacy i grzechotają palcami po instrumentach. Pomiędzy aniołami a Wieczną Dziewicą stoi wół i patrzy na Dzieciątko, a ponad ramieniem jednego z nich osioł podnosi głowę, co najwyraźniej wydaje okrzyk zaskoczenia. „Pod względem kolorystycznym” – mówi jeden z krytyków – „jest to obraz całkowicie oryginalny - z delikatnymi odcieniami delikatnego błękitu, z odcieniami brązu i szarości. Nie ma w nim perspektywy powietrznej, ale obraz jest zbiorem drobiazgowych szkiców. Nawet perły na szatach Wiecznie Dziewicy i anioły są starannie zdobione. Całość jest świeża i urocza, a jednocześnie religijna, ponieważ malarz postanowił ucieleśnić swoje uczucia w formie swoich przeżyć. " 9 Niewielki obraz Sandro Botticellego (w Brytyjskiej Galerii Narodowej) jest niezwykły pod względem projektu i wykonania. To jakby całe kazanie bożonarodzeniowe, którego celem jest ukazanie w barwach skutków narodzin Zbawiciela w niebie, na ziemi i pod ziemią oraz wyjaśnienie samego znaczenia Wcielenia, dzięki któremu Bóg pojednał się z grzesznymi ludźmi, a człowiek stał się mniej niż niższy od aniołów, ukoronowany chwałą i czcią. Górna część obrazu przedstawia niebo, którego delikatne kolory stopniowo gęstnieją, zbliżając się do horyzontu Ziemi. W niebie aniołowie ubrani w suknie w najdelikatniejszych kolorach radują się, „skaczą i bawią się” w religijnej rozkoszy. Ich skrzydła, podobnie jak ubrania, zmieniają kolor, wahając się od czerwonego, zielonego i białego. W rękach każdego z nich znajduje się gałązka oliwno-lawrzynowa oraz zwój z napisem: „Gloria in Excelsis Deo, z którego wisi jasnozłota korona. Twarze niektórych zwrócone są ku niebu i odbijają blask wizji uszczęśliwiającej, inni patrzą na ziemię i w ich pobożnym spojrzeniu zdają się czytać słowa: et in terris pax, hominibus bonae voluntatis (a na ziemi panuje pokój, dobra wola między ludźmi). Tuż pod nimi znajduje się ciemny gaj – u Dantego symbol splątanego lasu ludzkiego życia. Ale wśród ponurego lasu, na masie białej skały – symbolu czystości i niezachwianej siły Ewangelii – stoi betlejemska stajnia dla bydła. Na dachach tej kramy lub szopy śpiewają trzej aniołowie, z których jeden ubrany jest na czerwono – anioł miłości, na biało – anioł niewinności i na zielono – anioł nadziei. A na podłodze w kabinie leży Boskie Dzieciątko w całej radości dzieciństwa, które podnosząc palec jednej ręki do ust, zdaje się mówić: „Ja jestem Słowem Bożym”. U Jego stóp klęka Najświętsza Maryja Panna, a na czele, wsparty na siodle w głębokim upokorzeniu, siedzi pochylony sprawiedliwy Józef, zakrywając twarz płaszczem. Za nim wół, osioł i żłób – na znak, że nawet Ojciec Niebieski troszczy się o zwierzęta. Po bokach straganu przedstawieni są trzej mędrcy i trzej pasterze, reprezentujący całą ludzkość – zarówno Żydów, jak i pogan, w każdym wieku i na każdym stanowisku, a do nowonarodzonego Chrystusa prowadzeni są aniołowie, którzy wieńczą ich głowy gałązkami Maslenicy – ​​symbolem płodności, pokoju i radości. Poniżej trzy pary postaci radośnie obejmują się, a trzej bystrzy aniołowie z napisem na swoich zwojach: „Dobra wola w ludziach” obejmują młodego mężczyznę, starszego mężczyznę i dojrzałego mężczyznę na znak, że niebo i ziemia, pojednane przez narodziny Odkupiciela, pośpieszyły, aby połączyć się ponownie po długiej rozłące. Na samym dole obrazu znajdują się diabły, małe i brzydkie, w stanie przestraszenia, próbujące ukryć się w wąwozach, dzięki czemu obraz jako całość przedstawia wpływ Narodzenia Chrystusa na dobre i złe siły świata. U góry znajduje się kiepski grecki napis wskazujący, że obraz został namalowany w 1500 r. w najciemniejszym okresie Włoch, kiedy najwyraźniej działy się na nim wszystkie katastrofy przepowiedziane w Apokalipsie. Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie obrazy Botticellego emanują tonem głębokiego smutku, który daje się odczuć nawet w przedstawieniu radości. Towarzyszący obraz Narodzenia Pańskiego autorstwa Antonio Rossellino został napisany nieco w tym samym duchu, choć z wyraźniejszymi cechami kierunku naturalistycznego. Główną postacią na nim jest Matka Boża ze złożonymi rękoma, stojąca z modlitwą i czcią nad Dzieciątkiem Bożym, które w całej radości dzieciństwa leży na poduszce, podnosząc palec do ust na znak, że jest Słowem Bożym. Za Matką Bożą, po lewej stronie, stoi zamyślony sprawiedliwy Józef, a za nim wyłaniający się z obory wół i osioł. Po prawej stronie znajduje się wysoka góra, jakby oddzielająca Stary Testament od Nowego, a za nią pasterz ze swoją trzodą, spoglądający ze zdziwieniem na anioła zstępującego z nieba. Inni pasterze już udają się do Dzieciątka Boga, aby oddać pokłon. Cały obraz otoczony jest cherubinami, które na przemian z gwiazdami tworzą jakby niebiańską aureolę dla Dzieciątka Boga. Antonio Rosseliano. Ryż. 2 Boże Narodzenie było także ulubionym tematem łagodnego, pobożnego Lorenza di Credi (ur. 1456). Jego najlepsze i najważniejsze prace znajdują się w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. W Nim Dzieciątko Boże, wskazując palcem na usta (jak to było w zwyczaju wśród malarzy tej szkoły), leży nie na poduszce, ale na ubraniu rzuconym na snop pszenicy na znak, że On jest chlebem życia. Po lewej stronie klęczący pasterz odprawiający kult; Za Dzieciątkiem Boga stoi inny pasterz z wyrazem podziwu i zaskoczenia. Trzeci pasterz, przystojny młodzieniec o inteligentnej twarzy, przynosi baranka. Po prawej stronie Najświętsza Maryja Panna modli się z wyrazem smutku i pokory. Po obu jej stronach klęczą młode aniołki, a pozostała dwójka cicho szepcze do siebie, przy czym jeden z nich wskazuje palcem na niebo, jakby mówił: „To Dzieciątko jest Synem Bożym”. Sprawiedliwy Józef, wsparty na lasce, w zamyśleniu przygląda się całej tej scenie. Obraz ten wykazuje brak oryginalności, przypominając w szczegółach podobne obrazy innych artystów swoich czasów (Leonardo, Perugino, Luini itp.), Ale ogólnie zachwyca harmonią kompozycji, różnorodnością wyrazu i głęboką szczerością uczuć. Lorenzo nie dał się wówczas ponieść takim wicherom inspiracji i pasji, jak to było w przypadku Michała Anioła. Wszystko w nim jest zanurzone w jasnej i spokojnej ciszy. Jest to niewątpliwy znak wewnętrznej wielkości. „Wielkie dzieła, które Bóg wzbudza w sercach swoich stworzeń”, mówi Bossuet, „w naturalny sposób wytwarzają ciszę, zachwyt i coś niewytłumaczalnie boskiego, co tłumi wszelką ekspresję”. Mniej więcej w tym samym czasie Ambrogio Borgognone dużo pracował w Mediolanie i Padwie. Posiada piękny obraz Narodzenia Chrystusa w kościele św. Celsusa w Mediolanie. Matka Boża klęka na nim za Dzieciątkiem Boga, błogosławiąc samego autora obrazu. Po obu stronach Matki Bożej stoją św. Jan i św. Roch – poważne postacie szlacheckie. Dwa aniołki klęczą na ziemi, a pozostałe trzy są w niebie. Posiada także obraz w Dreźnie, na którym Matka Boża ubrana w długą białą suknię ze złotym haftem, pod koroną słowa Rach („Pokój”), ma wyraz najgłębszego smutku, choć nad nim Ojciec Niebieski ukazuje się w całej swej chwale w obłoku aniołów ze zwojami, na których widnieją słowa: Gloria in excelsis. Borgognone był człowiekiem o wyrafinowanej naturze i silnych uczuciach religijnych. Przedstawianie postaci boskich lub świeckich w spokojnej ciszy lub bezinteresownym cierpieniu najlepiej pasowało do jego temperamentu. Co więcej, same kolory odpowiadają temu dominującemu odczuciu; szarą bladość jego twarzy tylko od czasu do czasu zmieniają powieki zaczerwienione ze smutku. Nie ma nic bardziej wzruszającego i pięknego niż typ i charakter niektórych z jego najpiękniejszych twarzy. W zupełnie innym duchu, jak można się spodziewać, jest obraz Narodzenia Luca Signorelliego (w British National Gallery); Jest to atrakcyjny i pomimo swojej brązowej kolorystyki wspaniały obraz, w którym autor stara się od razu opowiedzieć całą historię Narodzenia Chrystusa według Ewangelii Łukasza. Nagie dziecko leży na poduszce. Klęcząca Matka Boża ubrana jest w suknię w kolorze błękitu i zieleni, barw nieba i nadziei. Po prawej stronie siedzi sprawiedliwy Józef w czerwono-pomarańczowej szacie. Za nimi stoją trzy świecące anioły ze skrzydłami mieniącymi się złotem i wielobarwnymi farbami. Po lewej stronie klęczy dwóch pasterzy, za którymi stoją inni i wszyscy są niezwykle zachwyceni niebiańską wizją. Jeden z pasterzy schronił się w jaskini, gdzie siedzi i gra na flecie, zwieńczony bluszczem niczym młody grecki bóg (oczywiste echo starożytnego świata). Ich twarze trudno nazwać pobożnymi i czułymi, ale nie sposób nie rozpoznać najsubtelniejszego ludzkiego piękna w opalonym pasterzu w słomkowym kapeluszu i jego młodym towarzyszu. Po obu stronach Zawsze Dziewicy znajdują się jasnowłose anioły, z których jeden wygląda nieco afektowo zza ramion Najświętszej Maryi. W Bolonii we Francji znajduje się piękny obraz Narodzenia Pańskiego. Został namalowany na zlecenie Antona Bentivoglio, rycerza Czerwonego Krzyża, który sam jest przedstawiony modlącego się wśród pasterzy. Po prawej stronie stoją biskup w mitrze i dwóch świętych, a pośrodku, klęcząc z błogo promienną twarzą, Najświętsza Dziewica stoi w pozycji modlitewnej. Osobliwość tego obrazu polega na intensywności skupienia, z jakim każda myśl i każde spojrzenie skierowane jest na promienne Dziecię Boże, leżące na małym łóżeczku pośród wszystkich. Obok Niego śpiewają dwa ptaki, siedzące na krzaku wystającym ze szczeliny w skale. Obraz Narodzenia Pańskiego Tintoretta w „Szkole św. Rocha” wyróżnia się dużą oryginalnością. Wydarzenie jest przedstawione na górze stoiska; na dole wół i osioł, a obok nich paw. Kogut szpera w słomie. Boskie Dzieciątko leży w czymś w rodzaju wiklinowej kołyski, a Zawsze Dziewica podnosi zasłonę, aby pokazać swojego Syna grupie czułych wiejskich pasterzy. Twarz Wiecznie Dziewicy jest jednym z najpiękniejszych wizerunków Tintoretta. Zjawiskiem zupełnie wyjątkowym, nie w najlepszym tego słowa znaczeniu, jest obraz Narodzenia autorstwa Bernarda Cavallino (†1654), także nie należącego do szczególnie wysokiej szkoły neapolitańskiej. Był eklektykiem i przyrodnikiem, który w wieku 31 lat popełnił samobójstwo z powodu pijaństwa. Nie można oczywiście oczekiwać szlachetnego potraktowania tak wzniosłego tematu od malarzy takich szkół. Tylko nisko latający artysta mógł upokorzyć swój temat, wprowadzając taki szczegół, jak biały pies rzucający się na cierpliwego wołu przy żłobie. Malarz zapewne nawet nie podejrzewał, jak tym szczegółem zdradził swój stan wewnętrzny i upokorzył własne malarstwo. Pokazuje, jak niebezpieczne jest przekształcenie największego wydarzenia świata w prostą fabułę mającą na celu manifestację stylu i oryginalności artysty, dlatego jego obraz stał się prostą ozdobą i dodatkiem mebli w domu jego patrona. Więcej można było oczekiwać od Mazzolina (†1528), tego „świecącego robaka”, jak go nazywano, z uczonej i szlachetnej szkoły z Ferrary. Ale i on zgrzeszył tą niedopuszczalną wulgarnością i w swoim obrazie przedstawiającym Świętą Rodzinę, wprowadzony do obrazu mały Jan Chrzciciel, zamiast całkowicie nabożnie zanurzyć się w wydarzeniu, które miało miejsce, zajmuje się ochroną kota przed prześladowaniem przez oswojoną małpę! Na koniec zwróćmy uwagę na wspaniały obraz Narodzenia Dürera, jako przedstawiciela szkoły niemieckiej. Na tym zdjęciu, zgodnie ze zwyczajem wszystkich średniowiecznych malowideł, przedstawiono ruiny stodoły. Po prawej stronie klęczą dwaj starsi pasterze, z których jeden ma wyraz podziwu na twarzy. Nad drzewem, przed którym stoją, świeci wielka gwiazda. Przez zniszczony łuk w oddali widać anioła dobrej nowiny, który ukazał się pasterzom, gdy nocą strzegli swoich stad. Po lewej stronie, z twarzą pełną radości, stoi starszy Józef z latarnią w dłoni. Dokładnie w centrum obrazu znajduje się wiklina z ułożoną słomą, a w niej leży Nowonarodzone Dzieciątko Boże, wyciągające prawą rękę do swojej Najświętszej Matki Dziewicy. Klęka przed kołyską, z czułością krzyżując ramiona na piersi. Za kołyską klęczy śliczny aniołek, który z bezgraniczną troską i czułością pochyla się nad Dzieciątkiem, Zbawicielem świata. Trudno opisać cały urok tego małego obrazu, w całym jego bezwarunkowym pięknie i doskonałości projektu i wykonania. Pokłon pasterzy i pokłon Trzech Króli wśród malarzy średniowiecznych są często rozwijane razem z przedstawieniem Narodzenia Chrystusa, dlatego powiemy o nich trochę osobno. Spośród tych tematów pierwszy był mniej preferowany, ponieważ dawał mniejsze pole do błyskotliwości i różnorodności. Główną ideą najlepszego artystycznego rozwoju tego tematu jest zwykle chęć zilustrowania nagród i błogości czekających na wszystkich pokornych wierzących. 10 W starożytnej sztuce chrześcijańskiej „Pokłon pasterzy” i podobnie jak w obrazie Narodzenia Botticellego często łączy się z „Pokłonem Trzech Króli”. Ten ostatni był tematem niezwykle powszechnym, co widać na licznych obrazach prezentowanych przez Fleury’ego; Tymczasem, jeśli chodzi o pierwszą, trudno niemal wskazać, gdzie jest ona przedstawiona oddzielnie. Mało który malarz potraktował ten temat z większym pięknem niż Lorenzo Lotto, do którego nawet zły Pietro Aretino wołał: „O Lotto, dobre jak sama dobroć i cnotliwe jak sama cnota!” Jego obraz znajduje się w rodzinnym Bergamo, gdzie widać tylko jego prawdziwą wielkość. 11 Na tym zdjęciu jeden z pasterzy przyniósł baranka i trzyma go przed Dzieciątkiem Jezus. Baranek klęknął na przednich kolanach i najwyraźniej patrzy z uczuciem zaskoczenia i miłości, a złotogłowe Dzieciątko podnosi swoje białe dłonie do niewinnego stworzenia, by objąć go za szyję. Za tym pasterzem stoi duży anioł z rozpostartymi niebieskimi skrzydłami, trzymający w dłoni szorstki płaszcz pasterza, a drugi anioł kładzie rękę na ramieniu innego pasterza. Najświętsza Dziewica, wspaniała postać z czerwonych, niebieskich i białych kwiatów, klęka z czcią przed Dzieciątkiem, które leży częściowo na niebieskiej szacie, a częściowo w wiklinowym obrusie pokrytym zieloną trawą. Lotto był uczniem Belliniego i przyjacielem Tycjana. W nienagannej czystości swojej sztuki przypomina Luiniego, a w cichym podsumowaniu i odosobnieniu życia monastycznego przypomina Fra Angelico. Zmarł jako emeryt założonej przez siebie instytucji charytatywnej. W 1548 roku Aretino pisał o tej czystej duszy: „Twoje serce nie zna zazdrości, wręcz przeciwnie, rozkoszujesz się widokiem piękności innych mistrzów, których, jak ci się wydaje, nie posiadasz... Jeśli nie przewyższysz ich w malarstwie, pozostawisz ich daleko w tyle w kwestii prawdziwej pobożności. Niebo przygotowało dla ciebie chwałę, której nie można porównać z pochwałą ludzką”. 12 Romanino przedstawia także kult pasterzy w Brescii i wyróżnia się kunsztem i wdziękiem charakterystycznym dla tego malarza. Najświętsza Dziewica ubrana jest we wspaniałą suknię z białej błyszczącej satyny ze złotymi wykończeniami, narzuconą na czerwoną tunikę. Ona adoruje nowo narodzone Dzieciątko leżące na białej satynie. Pasterz pochyla się nad nim z wyciągniętymi rękami, a nad nim fruwają cherubiny. Niezwykły obraz Rembrandta „Pokłon pasterzy”, namalowany w 1646 roku, zachwyca nas znacznie bardziej jasnością światła i cienia niż samym motywem sakralnym. Jak na słynnym obrazie. Correggio La Nette w Galerii Drezdeńskiej całe światło na obrazie pochodzi od Świętego Dzieciątka i światło to całkowicie przyćmiewa światło latarni trzymanej w rękach jednego z pasterzy. Być może Ruskin zbyt ostro mówi, że celem Rembrandta było „namalowanie w szybkim świetle najbardziej wulgarnej rzeczy, jaką mógł zobaczyć”; w każdym razie jednak wielkość, która mu się należy, nie została przez niego nabyta jako malarz religijny. Na przykład w obrazie Correggio centralną ideą jest promienne Dziecię, a w „Biblii przy lampie” Rembrandta poruszamy się, jak mówi Gaslitt, „z jednej otchłani ciemności w drugą” i nie widzimy nic poza migotaniem i cieniami. Rembrandt „w każdym razie z artystycznego punktu widzenia bardziej kochał ciemność niż światło”. Velasquez również ma obraz tego obiektu, i to obraz naturalistyczny i nieco wulgarny. Pasterz – najzwyklejszy wieśniak – przyniósł jagnię i drób, a jakiś chłopiec ofiarował swoje zwierzęta Dzieciątku Jezus. Wszystko to dalekie jest od wysublimowanej poezji religijnej. „Żadna dziewica” – słusznie mówi Ford – „nie weszła do pracowni Velasqueza i wokół jego palety nie fruwały żadne cheruby. Nie pracował dla świętych czy zachwyconych pustelników, ale dla pierzastych królów i odzianych w zbroję rycerzy; stąd zaniedbanie, a nawet częściowo niepowodzenie jego obrazów religijnych i mitologicznych - ponadto jego obrazy religijne, podobnie jak obrazy Correggio, są religijne tylko z nazwy; jego grupy są za bardzo przejęte z niskiego życia, a wszystko to jest tak przedstawiane prawdę mówiąc, ten właśnie obraz, który nie jest w harmonii z wzniosłością tematu, jeszcze bardziej zaciemnia wszelkie uczucia wyższe”. Najsłynniejszym obrazem Correggio jest La Notte, znajdujący się w Galerii Drezdeńskiej. Wyróżnia się całą charakterystyczną urodą i niezaprzeczalnie urzekającą umiejętnością operowania kolorami, miękkością światła i bogactwem kunsztu technicznego. Światło bijące od Boskiego Dzieciątka leżącego na słomie w żłobie oświetla błogo uśmiechniętą twarz Najświętszej Maryi Panny i oślepia oczy pokornej pasterki, która przyniosła parę turkawek. 13 Biedny stary pasterz jest gotowy zakryć twarz płaszczem, a błyskotliwy młodzieniec obok niego odwraca się w zachwycie. Za Najświętszą Dziewicą Józef przywiązuje osła, a w niebie grupa aniołów niezwykłej urody śpiewa święty hymn bożonarodzeniowy. Correggio był człowiekiem nieco chorobliwej drażliwości i czuł się w swojej sferze, jak słusznie o nim zauważono, wśród przedmiotów pogańskich lub półpogańskich, które raczej dają miejsce na pewne upojenie zmysłową radością niż na uniesienia boskiej miłości. Jego Święta Dziewica okazuje się zbyt delikatna, a jego aniołowie przypominają jaśniejących geniuszy pogaństwa. "Czy można rozpoznać Prekursora" - pyta Gruet, oglądając inny ze swoich obrazów w drezdeńskiej galerii - "w tym jaśniejącym szczęściem Efebie, który z takim entuzjazmem patrzy na widza? Czy to w końcu Najświętsza Dziewica, ta cudowna kobieta, która z taką słodką ospałością odpowiada na pełne podziwu spojrzenia swoich wielbicieli? Zachwycająca czułość jego aniołów i świętych jest o wiele bardziej zgodna z tym krytycznym stanem, gdy sama pobożność była przykładem takiego wrażliwość, taką, można by rzec, zmysłowość religijną”. „Kiedy naród osiągnął swój szczyt” – mówi Morelli – „w życiu codziennym, podobnie jak w literaturze i sztuce, wszędzie widzimy, że piękno zaczyna być cenione ponad charakter. Tak było we Włoszech w ostatnich dziesięcioleciach XV i na początku XVI wieku”. 14 Towarzysząca fotografia z pięknego obrazu Fiorenza di Lorenzo z galerii obrazów w Perugio może ukazać różnicę nastrojów, jaka dzieli malarzy perugijskich XV w. od malarzy parmeńskich XVI w. Pokłon pasterzy – Correggio. Ryż. 4. Pokłon Trzech Króli. Ryż. 6. Kult Trzech Króli również wcześnie stał się przedmiotem przedstawień artystycznych, a my przedstawiamy tutaj jeden z najwcześniejszych, a przy tym bardzo interesujących przykładów tego rodzaju. To fotografia ze wspaniałego grobowca Egzarchy Izaaka w kościele św. Witala w Rawennie. Pochodzi z VI wieku, a znajdujące się na nim postacie nadal zachowują coś z wdzięku starożytności. 15 Mędrcy, zgodnie ze zwyczajem, noszą na głowach czapki frygijskie, ubrani są w krótkie tuniki, zwiewne płaszcze i apachyrydy (spodnie haremowe), każdy w ręku trzyma misę z darami przeznaczonymi do ofiarowania Boskiemu Dziecięciu. Samo Dzieciątko siedzi na kolanach swojej Matki, za którą świeci tajemnicza wschodnia gwiazda. Jedynym celem starożytnych artystów chrześcijańskich było odtworzenie tego wydarzenia w całej jego całkowitej prostocie. Pokłon Trzech Króli. Ryż. 8. W późniejszych czasach scena kultu Trzech Króli była urządzana coraz bardziej majestatycznie. Sami Mędrcy zostali wyniesieni do rangi „królów Wschodu” i są uosobieniem pogaństwa, bogactwa i człowieczeństwa w trzech okresach – młodości, męskości i starości. W grę wchodzą także apokryficzne ewangelie i opowieści ze Wschodu. 16 Najstarszym z tych „panów pod przewodnictwem gwiazd” jest starzec Gaspard z długą srebrną brodą. Belszaccar był mężczyzną w pełnym rozkwicie swego życia, a Melchior był pięknym młodzieńcem. Często przedstawiają także trzy rasy rasy ludzkiej – Sema, Chama i Jafeta. Bogactwo i wdzięk zastosowanych akcesoriów, głębia symboliki i różnorodność rozwoju, na jaki pozwala temat, były naturalnymi powodami, dla których temat ten stał się jednym z najbardziej ukochanych tematów sztuki sakralnej. 1) Pokłon Trzech Króli jest tematem jednego z obrazów Fabriano. Obraz ten, znajdujący się we Florencji, jest dziełem naprawdę genialnym, nie tylko bogatym i żywym, ale także pełnym uczuć. Szczegóły w nim są wspaniałe. Cały obraz wyróżnia się niezwykłą kompletnością. Ręka Dzieciątka Chrystus, oparta na łysej głowie starego czarnoksiężnika z białą brodą, który z niezwykłą pokorą kłania się, by ucałować stopę Dzieciątka Boga, jest swoistym cudem łaski, godności i patosu. 17 2) Wśród malarstwa tego typu bardzo poczesne miejsce zajmuje niewątpliwie obraz artysty szkoły weneckiej Paolo Veronese. Obraz tego ostatniego został namalowany w 1573 roku i Veronese często wracał do tego tematu, co dawało szerokie pole jego śmiałemu i kochającemu błyskotliwości geniuszowi. Jego obraz przedstawia zrujnowany budynek architektury rzymskiej z kolumnami, którego część pokryta jest trzciną i która służyła jako stajnia. Pod dachem tego baldachimu, po prawej stronie widza, na pewnym wzniesieniu siedzi Najświętsza Dziewica, trzymając w ramionach Dzieciątko, któremu oddają cześć trzej wschodni mędrcy. Pierwszy z nich klęka przed Nim, drugi stoi w tej samej pozycji za Nim, a po lewej stronie w stosunku do widza stoi trzeci czarownik. Na Dzieciątko pada promień światła, w którym trzepocze kilka skrzydlatych cherubinów; a powyżej widać grupę dzieci - aniołów. Za Mędrcami stoi ich orszak, niektórzy przynoszą prezenty, inni opiekują się końmi i wielbłądami. Kilku mieszkańców wioski patrzy na Boskie Dzieciątko, a po prawej stronie widać czyjąś postać z kilkoma psami. Tam stoją wół i osioł; przed Dzieciątkiem znajduje się baranek, który najwyraźniej przedstawia ofiarę od pasterza. 18 3) Niezwykle eleganckim dziełem jest obraz Durera. Matka Boska, pochylona lekko na bok (co często widzimy na obrazach Durera), siedzi oparta o popękany kamień ściany jakiejś zniszczonej budowli. Jej twarz jest pełna radości. Boskie Dziecię o niezwykłej urodzie wyciąga ręce do starego siwowłosego czarownika, który klęka i pochyla przed Nim głowę ze złożonymi rękami i wyrazem błogiego zdziwienia na twarzy. Przedstawił swoje dary, które trzyma Józef, który patrzy na tę scenę przez ramię Najświętszej Maryi Panny. Drugi mag trzyma kielich, który oferuje jako prezent, ale zatrzymuje się, by poczekać na trzeciego, który trzyma w dłoniach swój pierzasty hełm i klęka, ale najwyraźniej jest zbyt przejęty strachem, aby podejść bliżej. Ten czarnoksiężnik jest Etiopczykiem, chociaż jego twarz jest biała. W oddali, z jednej strony, wraz z innymi członkami orszaku, mężczyzna trzyma w rękach jakiś dar. Po drugiej stronie jest dwóch pasterzy. Na niebie jaśnieje tajemnicza gwiazda, a trzy aniołki śpiewają: „Chwała Bogu na wysokościach”. Jeden z wołów, którego głowa wystaje zza płotu, delikatnie pociera łbem o starszego Józefa, a jego oczy wyglądają tak uroczyście, jakby i on po części zrozumiał Boską tajemnicę, która miała miejsce przed nim. Dürer namalował także w 1500 roku inny ciekawy obraz dla Fryderyka Mądrego, który jest równie niezwykły, choć ma inną kompozycję. 4) Być może nie ma jednak szlachetniejszego obrazu „Pokłonu Trzech Króli” niż freski Bernardina Luiniego w Saronno. Piękna, pokorna Wiecznie Dziewica opiera się o ścianę żłóbka, za nią widać wołu i osła. Boskie Dzieciątko lewą ręką trzyma brzeg swego welonu. Jego prawa ręka błogosławi majestatycznego starca, czarnoksiężnika, w luksusowym stroju ze złotym łańcuchem, którego miecz i turban trzyma przystojny młodzieniec. Za tym starcem stoi młody Melchior, przedstawiany jako przystojny Etiopczyk; po drugiej stronie Belszaccar klęka i ofiarowuje swoje dary. Jeden z orszaków zasłonił oczy przed gwiazdą świecącą nad dachem. Pozostali członkowie orszaku zbliżają się do zbocza wzgórza, prowadząc włócznie, wielbłądy i żyrafę. W niebie chóry pięknych aniołków śpiewają kolędę. 5) Pokłon Trzech Króli jest najlepszym dziełem spośród obrazów Domenico Ghirlandaio we Florencji. Szczególnie piękny jest młodzieniec służący z kielichem po prawej stronie Najświętszej Maryi Panny. Starszy Kaspard bierze w swoją dużą dłoń małą stopę Boskiego Dzieciątka i całuje ją, podczas gdy Najświętsza Maryja w zdumieniu podnosi rękę. W oddali, po obu stronach krajobrazu, pasterze ze zdziwieniem spoglądają na ukazującego się im Anioła oraz obraz masakry niemowląt. Obraz ten został namalowany w 1488 r., a jego najbardziej charakterystyczną cechą jest przedstawienie dwójki dzieci o niezwykle naturalnym wyglądzie - obok Jana Chrzciciela po jednej stronie i Jana Ewangelisty po drugiej. 6) Niezwykłe jest także malarstwo Tintoretta, uderzające wspaniałą manifestacją jego artystycznej siły i talentu. Cały obraz przedstawia jedną wielką gwiazdę, której centrum jest Chrystus. Wszystkie postacie, nawet belki i dachy promieniują, a na małej świetlnej figurze, nad którą wszyscy pochylają twarz, trzepoczą anioły, a sama gwiazda świecąca ponad belkami jest już obiektem całkowicie wtórnym. Dwa gołębie, jako główne punkty świetlne na przedniej stronie obrazu, przypominają widzowi o ubóstwie Najświętszej Matki Dzieciątka, która przyjmuje ofiary i cześć od trzech królów. Nic nie może być jednocześnie bardziej pokorne i majestatyczne niż postawa królów, a jednocześnie niezwykle ciekawa jest rzeczywistość Matki Bożej, gdy Ona, występując naprzód, w zdziwieniu i zachwycie podnosi rękę na złoty wazon, który właśnie został postawiony przed Dzieciątkiem, choć czyni to wszystko z takim wdziękiem i spokojem, że prostota tego działania nie narusza jej godności. 7) Tę serię artystycznych obrazów średniowiecznych malarzy można zakończyć jako ich najnowsze echo - bardzo dobry obraz „Pokłonu Trzech Króli”, który Bourne-Jones, angielski artysta, daje w swojej akwareli „Gwiazda Betlejemska”. Przedstawiona na nim niska stodoła jest najzwyklejszym budynkiem tego rodzaju, ale stoi w ogrodzie kwiatowym z liliami i innymi kwiatami, na znak, że wraz z przyjściem Chrystusa pustynia zakwitła jak róża. Nieco z tyłu, zarzuciwszy welon na głowę, stoi Sprawiedliwy Józef, który zebrał naręcze cienkiego drewna na opał. Z niezwykle sympatyczną twarzą Najświętsza Panna siedzi na stercie słomy i trzyma na kolanach Boskie Dzieciątko, które odwraca głowę, aby spojrzeć na zbliżających się Mędrców. Prowadzi ich anioł, którego głowa jest ukoronowana kwiatami, a w dłoni trzyma gwiazdę. Kaspar, najstarszy z trzech królów, przedstawia wysadzaną klejnotami szkatułkę. U jego stóp leży korona wśród kwiatów. Stojący za nim Melchior ma na głowie hełm i ubrany jest w błyszczącą zbroję z szerokim mieczem w bogatej pochwie; jego złota korona jest w jego lewej ręce, Belszaczar, trzeci mag, we wspaniałej szacie z luksusowym haftem, trzyma w swoich rękach swoje ofiary; oczy wszystkich trzech Mędrców są intensywnie utkwione w Boskim Dzieciątku. Wszystkie one, indywidualnie i zbiorowo, traktowane są z niezwykłym wdziękiem, a uniżenie bogactwa i siły przed wątłą wielkością bezsilnej Matki i Dziecka nigdy nie znalazło prawdziwszego i piękniejszego wyrazu. Widzimy więc, z jaką entuzjastyczną czcią (z nielicznymi i w dodatku niefortunnymi wyjątkami) ministrowie sztuki średniowiecznej podejmowali wzniosły temat Narodzenia Pańskiego i towarzyszących mu okoliczności oraz ile prawdziwej poezji religijnej ukazali w swoich wspaniałych obrazach. W pełni uzasadniają subtelną uwagę „króla poetów” Goethego, który stwierdził, że ludzie są twórczy tylko wtedy, gdy są religijni. Dotyczy to w równym stopniu wszystkich dziedzin sztuki. W tym samym tonie wysokiej poezji religijnej utrzymywali się artyści średniowieczni w zakresie ukazywania „dzieciństwa i młodości Jezusa Chrystusa”, o czym będzie mowa w kolejnej książce. „Dio Menschen sind in Poesie und Kunst nur so lange produktiv, als sie religiös Bind.” Goèthe Posługujemy się w tym przypadku dziełem Canona Farrara „The Life of Christ as reprezentowane w sztuce”, Londyn 1694. Zob. Martigny, Dictionnaire des Antiquités chrétiennes pod słowem Nitivity, a także w opracowaniu prof. N.V. Pokrovsky’ego: „Ewangelia w pomnikach ikonograficznych” s. 23. 50 i nast. „Piękna Matka stała radując się blisko żłóbka z sianem, gdzie leżało Dzieciątko, którego radosną duszę, rozpaloną radością, ogarnęła uroczysta rozkosz”. To samo znaczenie zachowało się w Vetus Itala: in medio duorum Animalium innotesceris. Niestety, w rosyjskim tekście synodalnym znaczenie to zostało całkowicie utracone i werset ten czyta się zgodnie z masoreckim w następujący sposób: „Dokończ swoje dzieło wśród lat, wśród lat je ujawnij” – Habak. III, 2. Pistor, De Nativit. Domini. Ten obraz znajduje się we Florencji, w Akademii Sztuk Pięknych. Tego rodzaju zrujnowaną stodołę często można spotkać na obrazach średniowiecznych malarzy, którzy chcieli przedstawić ten symbol zniszczenia gospodarki Starego Testamentu. M onkhouse, Włoscy prerafaelici, s. 40. Fleury mówi: „w Rzymie i na Zachodzie zwykle zajmowali się pasterzami, podczas gdy Mędrcy po raz pierwszy stale pojawiają się w chrześcijańskich pomnikach”. Na nielicznych przedstawieniach tego tematu Jezus Chrystus jest zawsze pannis involutes (owinięty w szmaty) jak włoskie dziecko. Czytelnika zainteresuje jedyny znany Fleury przykład kultu pasterzy bez Mędrców. Pochodzi z płaskorzeźby na lateranie i pochodzi z IV wieku. Pasterz, którego można rozpoznać po pedumie (lasku), prowadzony jest przez anioła. Znajduje się w Palazzo Martinengo. Jeśli chodzi o Lotto, zobacz Lanji, s. 142. Pio, który szczególnie podziwiał szkołę mistyczną, poświęcił wiele uwagi temu niezrównanemu, niezwykłemu malarzowi, którego wrażliwy geniusz nosi ślady różnorodnych wpływów i wykazuje podobieństwa z Correggio. Correggio podążał w tym względzie za opowieściami z ewangelii apokryficznych: „I tak wszystko zostało napełnione światłem piękniejszym niż blask lamp i świec, jaśniejszym niż światło słońca” 1 Artysta jest oczywiście synem swoich czasów, ale niedobrze mu, jeśli jest jednocześnie jego uczniem, a nawet ulubieńcem.” Schillera. Istnieje również inny starożytny obraz na starożytnym grobowcu podarowanym przez Fleury'ego, w jego L'Evangile Pl. XX. Ryc. 2; i drugi na cmentarzu św. Piotra i Marceliny, podarowany przez Lafenestre. Mnich John Hildesheim, który zmarł w 1379 r., napisał „Historię Trzech Króli *, - Historyczne Trium Regum, wydrukowaną przez Vinkina de Worde w 1499 r. Mówi, że Mędrcy byli „królami Indii, Chaldei i Persji”. Melchior był królem Indii, Belszaccar był królem Gedaliasza i Arabii, Jasper był królem Tarszisz i miał „majestatyczny wzrost i bez wątpienia był czarnym Etiopczykiem”. „Był pierwszym z niewierzących, który uwierzył w Chrystusa”. Czcigodny Beda mówi: „Mędrcy mają na myśli trzy części świata – Azję, Afrykę i Europę”. Według legendy jeden z nich miał 60 lat, drugi 40, a trzeci 20 lat. Ich imiona po raz pierwszy pojawiają się w historii Kościoła w 1179 roku. Jak wiadomo, na tym obrazie Mędrcy to portrety Tycjana, Rafaela i Michała Anioła. Warto zauważyć, że na obrazie Botticellego (nie należącym do jego najlepszych dzieł) stary mag znajduje się portret Cosma de’ Medici, a dwa pozostałe to portrety Giuliano (zmarłego w 1616 r.) i Giovaniego (Leon X). Paolo Veronese malował ten temat co najmniej 4 razy, a Rubens co najmniej 6 razy.