La Natividad de Cristo representada en el arte.

Las personas en la poesía y el arte sólo son productivas mientras sean religiosas 1 Nuestra época, que tanto ha pecado en lo que el apóstol llama dejarse llevar por los “vientos de la doctrina”, al mismo tiempo, quizás más que otras, ha trabajado en el desarrollo de la conciencia religiosa en el mundo cristiano. Al menos en un aspecto esto es innegable, y en un aspecto extremadamente importante, a saber, en el estudio de la vida terrenal de nuestro Señor Jesucristo. Ninguna otra época puede presumir de tanta diligencia en el estudio de esta área profundamente importante del conocimiento teológico, y nunca antes había aparecido una literatura tan casi inmensa en un período de tiempo relativamente corto, de la que nuestra época puede presumir plenamente en relación con este tema. Por supuesto, entre esta literatura hay obras cuya tarea no era en absoluto la única que puede corresponder plenamente a la petición más profunda del espíritu humano, es decir, no el deseo de conocer mejor a nuestro Señor mediante un estudio exhaustivo de todas las circunstancias de su vida terrenal, sino el deseo de quitar el aura divina de la cabeza del Dios-hombre; pero estas obras no dejaron de contribuir con su parte a este movimiento profundamente importante, ya que sirvieron como principal incentivo para que la ciencia teológica emprendiera un estudio positivo de la vida del Señor Cristo con un celo sin precedentes. Desde este punto de vista, es obvio que la literatura negativa, como cualquier mal negativo, ha prestado un buen servicio a la economía general, contribuyendo en gran medida al despertar de las fuerzas del bien que estaban dormidas en la inactividad. Sin las notorias obras de Strauss y Renan, difícilmente se hubiera esperado ese enorme aumento de fuerzas teológicas en la lucha contra la incredulidad y la negación, que produjo la literatura más rica sobre el estudio de la vida terrenal de Jesucristo: literatura en comparación con la cual las obras negativas se ahogan como gotas en el mar. Pero después de la ciencia, el arte apenas ha trabajado menos en este campo. Son dos hermanas, hijas de un mismo espíritu, y trabajan siempre juntas, aunque con herramientas diferentes. Lo que la ciencia produce a través de su investigación y encarna en la literatura, el mismo arte encarna en imágenes artísticas, y esta estrecha conexión entre ellas explica el hecho indudable de que las mismas tendencias tienen el mismo efecto tanto en el campo de la ciencia como en el campo del arte. Cuando, por ejemplo, en la Edad Media la ciencia estaba completamente subordinada a la teología, de modo que incluso "la filosofía era la sierva de la teología", entonces el arte llevaba la huella indeleble de este predominio de la religión, de modo que todas sus mejores obras estaban precisamente en el campo de la vida religiosa eclesiástica y llevaban la huella de una espiritualidad sublime, esa encarnación del infinito en lo finito, que se distingue especialmente por el arte medieval. Y luego, cuando la ciencia se abrió nuevos caminos de investigación, cuando se abrieron ante ella nuevas áreas de inmenso conocimiento en el mundo natural, entonces el arte comenzó a representar este mismo mundo, como resultado de lo cual su tono bajó, especialmente porque los artistas tenían el deseo de exprimir todo lo divino e infinito dentro de los límites de lo humano y lo finito. Esto explica el crudo realismo que se ha hecho sentir repetidamente en las últimas obras de arte, tanto extranjeras como rusas, en el campo de la religión (en las obras de Vereshchagin, Ge, Repin, etc.). Pero este realismo artístico, como fruto de un enamoramiento temporal por los “vientos de la enseñanza”, por supuesto, puede contar aún menos con el derecho de ciudadanía en el arte que en la ciencia, ya que para el arte ser esclavo de tal realismo significa abandonar su propio propósito y entrar en contradicción consigo mismo. Por eso, tarde o temprano se librará de este yugo temporal y nuevamente, resucitado en espíritu, entrará en el reino de la libre creatividad, para la cual lo divino y lo infinito son precisamente el ideal de reproducción de lo humano y lo finito. Y es precisamente esto lo que encontrará su máxima inspiración en aquella vida divina que... inspiraba a brillantes artistas, haciendo famoso su nombre en todo el mundo cristiano. El arte de la pintura se ha dedicado durante mucho tiempo, se podría decir desde la llegada misma del cristianismo, al servicio de la religión, y con especial celo reprodujo la vida terrenal del Señor Jesucristo, viendo con razón en ella un modelo divino para la vida de todas las personas. Al principio, sin embargo, abordó este tema con gran cautela, y como en el mundo pagano estaba contaminado por servir a todas las abominaciones de los ídolos paganos y los absurdos de las mitologías paganas, ni siquiera se atrevió a reproducir directamente las imágenes del divino Redentor y lo reprodujo bajo diversas formas simbólicas: un cordero, un pez, un ancla, etc. de sensualidad e inspirado por un espíritu nuevo, comenzó a representar al Dios-hombre y todas las circunstancias de su vida bajo formas directas y reales, tanto más cuanto que la propia Iglesia santificó este uso del arte, permitiéndolo como parte integral de sus ritos sagrados. Desde entonces, el arte ha trabajado incansablemente para reproducir todos los acontecimientos más importantes de la vida terrenal del Señor Cristo, y este servicio a su causa del Evangelio se puede evidenciar en el bosquejo adjunto de las obras más importantes (principalmente arte medieval) de la historia del nacimiento y la adolescencia de Jesucristo. 2 I. El nacimiento del Salvador en la representación del arte. Difícilmente es posible imaginar un evento que pueda servir como una fuente de inspiración artística más rica que el evento de la Natividad de Cristo, con las circunstancias milagrosas que lo acompañaron. La Navidad misma, como realización del misterio de la encarnación del Dios Infinito, en la que el arte encuentra el ideal para su creatividad, representó la más rica fuente de inspiración y, por lo tanto, tanto este evento como todas las circunstancias que lo acompañaron se sugieren naturalmente al pincel del artista. Todos estos eventos: el nacimiento del Rey del universo en una miserable cueva o establo de ganado, la posición del Inconcebible en un pesebre, el canto de los ángeles que a medianoche anunciaron a la humanidad dormida el nacimiento del Salvador del mundo, la adoración de Él por parte de los miserables pastores, la llegada de nobles sabios del este con regalos al recién nacido Rey de los judíos y, finalmente, la ira de Herodes, que mató a miles de bebés inocentes, la huida a Egipto, todos estos y otros eventos como un El resultado de esto ha sorprendido durante mucho tiempo la imaginación de los artistas, que intentaron plasmarlos en las imágenes correspondientes de su arte. Observaremos las más importantes de estas imágenes, tanto de época antigua como posterior. Los primeros vestigios de la reproducción de los acontecimientos y circunstancias de la Natividad de Cristo se encuentran en las catacumbas, y la imagen que aquí se presenta (Fig. 1) es, con toda probabilidad, la más antigua de ellas. En él vemos la imagen de la Madre de Dios, con un rostro serio y una aureola que rodea su cabeza, y frente a ella hay un Niño envuelto en un pesebre, similar a un banco, y junto a Él están las cabezas de animales, un buey y un asno, que luego se convierten en accesorios tradicionales de este tipo de imagen y se repiten casi invariablemente en todas las reproducciones posteriores de este evento. En esta imagen no se ve la propia sala en la que tuvo lugar el gran acontecimiento. Pero en otras imágenes se ven intentos por parte de los artistas de definir la propia habitación. Según una antigua leyenda, que encontró confirmación autorizada en el testimonio del Beato Jerónimo, la Natividad de Cristo tuvo lugar en una cueva que también servía de establo para los animales. Pero los artistas más antiguos a este respecto ya comenzaron temprano a desviarse de esta tradición y generalmente representaban la escena de la Natividad de Cristo en una pobre choza construida por manos humanas. Es cierto que al mismo tiempo relacionaron esta escena con el culto a los Magos, quienes, según el relato del Evangelio, encontraron al Niño y a su Madre ya "en la casa". Ésta es, por ejemplo, la imagen grabada en una piedra del Museo Vettari, donde, junto al marco habitual (dos animales), se representa una estrella brillando sobre el Niño. 3 El acontecimiento mismo de la Natividad de Cristo fue tan alegre que el pensamiento central al representarlo en el arte fue precisamente el sentimiento de júbilo y alegría, que en la Edad Media encontró expresión en una canción religiosa especial, que entonces era tan popular en Occidente como la canción de Jakopson sobre el sufrimiento del Salvador, que más tarde la reemplazó. Todos los artistas antiguos en sus imágenes religiosas intentaron expresar la misma idea, que el poeta desconocido expresó con las siguientes palabras: Laetabundam: et ferventem Pertransivit: jubilus.:: 4 : En general, los artistas antiguos aportaron poca variedad a esta imagen, y en sus pinturas siempre encontramos lo mismo: la jubilosa Madre de Dios, sentada junto al Divino Niño envuelta y acostada en el pesebre, el serio y justo José, inmerso en la autorreflexión, los pastores con una expresión de sorprendida reverencia en sus rostros y arriba, los ángeles cantando su solemne himno: "Gloria a Dios en las alturas, y hay paz en la tierra y buena voluntad para con los hombres". Siempre al mismo tiempo, también se introducen un buey y un asno, de acuerdo con el texto griego, del famoso verso del profeta Habacuc ἐν μέσῳ δύο ζώων γνωσϑήση - “entre dos animales serás conocido” 5 Este último rasgo quedó tan profundamente grabado en la conciencia que encontró expresión en el conocido Poema latino de Pistor "Sobre la Natividad del Señor", que dice lo siguiente: Puer: natus en Belén, Hola: de: jacet en praesepio Quod puer erat Dominus.: 6 “Nació un niño en Belén, Quien reina sin límite. El tratamiento artístico de la leyenda de la Natividad de Cristo en este tono continuó casi sin cambios hasta el siglo XIV. De los artistas de este género destaca Orcagna, cuyo cuadro es simplemente una reproducción del relato evangélico de la Natividad de Cristo para quienes no saben leer; Giotto, que muestra signos de naturalismo, es decir, el deseo de introducir en esta historia los rasgos de las condiciones de vida puramente humanas. Poco a poco se desarrolló un tratamiento más artístico de esta trama. Masolipo da Papicale representa una roca en cuya grieta, según la leyenda, los pastores solían encontrar refugio de las tormentas, y esta roca comenzó a aparecer con frecuencia en representaciones artísticas. Paula y Eustochia, compañeras del Beato Jerónimo en su peregrinación a Tierra Santa, en su carta desde Belén a Roma a Marcela dicen: “En el desfiladero de la roca nació el Creador del firmamento”. La piadosa imaginación del artista ha decorado esta roca, y la roca florece como un árbol primaveral para recibir al Señor de la vida. También está presente el joven Juan Bautista con una cruz hecha de caña. La Siempre Virgen se arrodilla con las manos juntas en oración ante su deidad. Hijo. En el cielo se pueden ver los brazos abiertos de Dios Padre y el Espíritu Santo emanando en forma de paloma, acompañado de dos ángeles. 7 En la iglesia de San Marcos, en Venecia, hay una buena representación de la Natividad realizada por Angélico, quien la reproduce con su característica sencillez y encanto celestial. Pero la serie de obras artísticas más notable comienza con la pintura de Piero della Francesca (en la Galería Nacional Británica). La pintura de este artista está llena de originalidad y encanto. El Cristo recién nacido yace sobre una almohada entre flores, levantando sus pequeños brazos. A sus pies, arrodillada en oración, se encuentra la Santísima Virgen María con divina sencillez. Detrás de ella, el justo José está sentado en la silla, abrazándose la rodilla con las manos, y detrás de ellos están los pastores, uno de los cuales señala al cielo. Más adelante se pueden ver las ruinas de un granero, en cuyo techo, cubierto de hierba, está sentada una urraca. 8 A la derecha hay una ciudad y a la izquierda un valle con rocas y árboles. Se pueden ver aves aquí y allá en todo el paisaje. Entre el granero y el Niño se encuentra un grupo de ángeles con instrumentos musicales en la mano. Como ángeles, no proyectan sombras, sino que abren la boca como cantantes y hacen sonar los dedos con sus instrumentos. Entre los ángeles y la Siempre Virgen, un buey se para y mira al Niño, y por encima del hombro de uno de ellos, un asno levanta la cabeza, que aparentemente lanza un grito de sorpresa. "En cuanto a sus colores", dice un crítico, "es un cuadro completamente original, con sus delicados matices de suaves colores azules, con sus tonos marrones y grises. No hay perspectiva aérea en él, pero el cuadro es una colección de bocetos meticulosos. Incluso las perlas en las ropas de la Siempre Virgen y los ángeles están cuidadosamente decoradas. Toda la producción es fresca y encantadora, y al mismo tiempo religiosa, porque el pintor decidió encarnar sus sentimientos en las formas de su experiencia". 9 Un pequeño cuadro de Sandro Botticelli (en la British National Gallery) es muy destacable por su diseño y ejecución. Esto es como todo un sermón de Navidad, con el objetivo de representar en colores los resultados que produjo el nacimiento del Salvador en el cielo, en la tierra y bajo la tierra, y aclarar el significado mismo de la Encarnación, en virtud de la cual Dios se reconcilió con los pecadores y el hombre llegó a ser menos que inferior a los ángeles, coronado de gloria y honor. La parte superior de la imagen representa el cielo, cuyos delicados colores se espesan gradualmente a medida que se acerca el horizonte terrestre. En el cielo, ángeles ataviados con vestidos de los más delicados colores se regocijan, “saltan y juegan” en deleite religioso. Sus alas, al igual que su ropa, cambian de color, variando entre rojo, verde y blanco. En manos de cada uno de ellos hay una rama de olivo y laurel y un pergamino con la inscripción: “Gloria in Excelsis Deo, de la que cuelga una corona de oro claro. Los rostros de algunos de ellos están vueltos al cielo y reflejan el resplandor de la visión beatífica, mientras que otros miran a la tierra y en su mirada piadosa parecen leerse las palabras: et in terris pax, hominibus bonae voluntatis (y en la tierra hay paz, buena voluntad entre los hombres). Justo debajo de ellos hay una arboleda oscura, el símbolo de Dante del enredado bosque de la vida humana. Pero en medio del bosque sombrío, sobre una masa de roca blanca, símbolo de la pureza y de la fuerza inquebrantable del Evangelio, se encuentra el establo de Belén. En los tejados de este establo o cobertizo, cantan alabanzas tres ángeles, uno de los cuales vestido de rojo - el ángel del amor, de blanco - el ángel de la inocencia y de verde - el ángel de la esperanza. Y en el suelo del cubículo yace el divino Niño, con toda la alegría de la infancia, que, llevándose el dedo de una mano a los labios, parece decir: “Yo soy la Palabra de Dios”. María Santísima se arrodilla a sus pies, y a la cabeza, apoyado en la silla en profunda humillación, está sentado encorvado el justo José, cubriéndose el rostro con un manto. Detrás de él hay un buey, un asno y un pesebre, como señal de que también el Padre Celestial se preocupa por los animales. A los lados del puesto están representados tres reyes magos y tres pastores, que representan a toda la humanidad, tanto judíos como paganos, de todas las edades y posiciones, y son conducidos hasta el Cristo recién nacido por ángeles que coronan sus cabezas con ramas de Maslenitsa, símbolo de fecundidad, paz y alegría. Debajo de ellos, tres pares de figuras se abrazan alegremente, y tres ángeles luminosos, con la inscripción en sus pergaminos: “Buena voluntad en los hombres”, abrazan a un joven, un anciano y un hombre maduro, como señal de que el cielo y la tierra, reconciliados por el nacimiento del Redentor, se apresuraban a reunirse después de una larga separación. En la parte inferior de la imagen hay demonios, pequeños y feos, asustados, tratando de esconderse en las gargantas, y así, en su conjunto, la imagen representa la influencia de la Natividad de Cristo sobre las fuerzas del bien y del mal del mundo. En la parte superior hay una pobre inscripción griega que indica que el cuadro fue pintado en 1500, en la época más oscura de Italia, cuando aparentemente se estaban ejecutando sobre él todos los desastres predichos en el Apocalipsis. En general, en todas las pinturas de Botticelli resuenan un tono de profunda tristeza, que se hace sentir incluso en las representaciones de júbilo. La imagen adjunta de la Natividad de Cristo de Antonio Rossellino fue escrita en cierto modo con el mismo espíritu, aunque con rasgos más distintivos de dirección naturalista. La figura principal es la Madre de Dios, con las manos juntas en oración y de pie con reverencia sobre el Dios Niño, quien con toda la alegría de la infancia yace sobre la almohada, llevándose un dedo a los labios en señal de que Él es la Palabra de Dios. Detrás de la Madre de Dios, a la izquierda, está el justo José, pensativo, y detrás de él, un buey y un asno, saliendo del establo. A la derecha hay una montaña alta, como si separara el Antiguo Testamento del Nuevo, y detrás de ella hay un pastor con su rebaño, mirando sorprendido a un ángel que desciende del cielo. Otros pastores ya van a adorar al Dios Niño. Toda la imagen está rodeada de querubines que, alternándose con las estrellas, forman, por así decirlo, un halo celestial para el Dios Niño. Antonio Rosseliano. Arroz. 2 La Natividad también era un tema favorito del amable y piadoso Lorenzo di Credi (nacido en 1456). Su mejor y más importante obra se encuentra en la Academia de Bellas Artes de Florencia. En él, el Niño de Dios, señalándose la boca con el dedo (como era costumbre entre los pintores de esta escuela), no se acuesta sobre una almohada, sino sobre ropas arrojadas sobre una gavilla de trigo como señal de que Él es el pan de vida. A la izquierda hay un pastor arrodillado realizando adoración; Detrás del Dios Niño se encuentra otro pastor, con aire de asombro y sorpresa. El tercer pastor, un joven apuesto y de rostro inteligente, trae un cordero. A la derecha, la Santísima Virgen reza con expresión de tristeza y humildad. A ambos lados de ella, jóvenes ángeles están arrodillados, y los otros dos susurran en voz baja, uno de ellos señala con el dedo al cielo, como si dijera: “este Niño es el Hijo de Dios”. El justo José, apoyado en su bastón, mira pensativamente toda esta escena. Este cuadro revela una falta de originalidad, que recuerda en sus detalles a cuadros similares de otros artistas de su época (Leonardo, Perugino, Luini, etc.), pero en general sorprende por la armonía de su composición, variedad de expresión y profunda sinceridad de sentimiento. Lorenzo no se dejó llevar entonces por torbellinos de inspiración y pasión como en el caso de Miguel Ángel. Todo en él está inmerso en un silencio luminoso y tranquilo. Esta es una señal segura de grandeza interior. “Las grandes obras que Dios inspira en los corazones de sus criaturas”, dice Bossuet, “producen naturalmente silencio, deleite y algo inexplicablemente divino que suprime toda expresión”. Por la misma época, Ambrogio Borgognone trabajó mucho en Milán y Padua. Tiene un hermoso cuadro de la Natividad de Cristo en la Iglesia de San Celso en Milán. En él, la Madre de Dios se arrodilla detrás del Niño Dios, bendiciendo al propio autor del cuadro. A ambos lados de la Madre de Dios se encuentran San Juan y San Roque, figuras nobles y serias. Dos angelitos están arrodillados en el suelo y los otros tres están en el cielo. También tiene un cuadro en Dresde, en el que la Madre de Dios, ataviada con un vestido largo blanco con bordados dorados, bajo la corona de la palabra Rach (“Paz”), tiene una expresión de profunda tristeza, aunque arriba aparece el Padre Celestial en todo su esplendor en una nube de ángeles con pergaminos en los que son visibles las palabras: Gloria in excelsis. Borgognone era un hombre de naturaleza refinada y de fuerte sentimiento religioso. La representación de figuras divinas o seculares en un silencio tranquilo o en un sufrimiento desinteresado se adaptaba mejor a su temperamento. Además, los colores mismos corresponden a este sentimiento predominante; la palidez gris de sus rostros sólo de vez en cuando se ve modificada por los párpados enrojecidos por el dolor. Nada podría ser más conmovedor y hermoso que el tipo y el carácter de algunos de sus rostros más bellos. Con un espíritu completamente diferente, como era de esperar, se encuentra el cuadro de la Natividad de Luca Signorelli (en la Galería Nacional Británica); Se trata de un cuadro atractivo y, a pesar de su color marrón, magnífico, en el que el autor intenta contar inmediatamente toda la historia de la Natividad de Cristo según el Evangelio de Lucas. Un bebé desnudo yace sobre una almohada. La Madre de Dios arrodillada está vestida con un vestido azul y verde, los colores del cielo y la esperanza. A la derecha está sentado el justo José con una túnica roja y naranja. Detrás de ellos hay tres ángeles brillantes con alas relucientes de oro y pinturas multicolores. A la izquierda hay dos pastores arrodillados, detrás de los cuales hay otros, y todos están muy asombrados por la visión celestial. Uno de los pastores se ha refugiado en una cueva, donde está sentado tocando una flauta, coronado de hiedra como un joven dios griego (un evidente eco del mundo antiguo). Sus rostros difícilmente pueden calificarse de piadosos o tiernos, pero uno no puede dejar de reconocer la más sutil belleza humana en el pastor bronceado con sombrero de paja y en su joven compañero. A ambos lados de la Siempre Virgen hay ángeles rubios, uno de los cuales mira con cierta afectación detrás de los hombros de María Santísima. Hay una hermosa imagen de la Natividad en Bolonia, Francia. Fue pintado a petición de Anton Bentivoglio, un caballero de la cruz roja, que a su vez está representado rezando entre pastores. A la derecha están un obispo con mitra y dos santos, y en el centro, arrodillada y con el rostro radiante y dichoso, la Santísima Virgen se encuentra en posición de oración. La peculiaridad de este cuadro reside en la intensidad de la concentración con la que cada pensamiento y cada mirada se dirige al radiante Niño de Dios, acostado en una camita en medio de todos. Junto a Él, cantan dos pájaros, posados ​​en un arbusto que sobresale de una grieta de la roca. La pintura de la Natividad de Tintoretto en la “Escuela de San Rocco” se distingue por una gran originalidad. El evento está representado en la parte superior del puesto; debajo hay un buey y un asno, y junto a ellos hay un pavo real. El gallo hurga en la paja. El Divino Niño yace en una especie de cuna de mimbre, y la Siempre Virgen levanta el velo para mostrar a su Hijo a un grupo de tiernos pastores del pueblo. El rostro de la Siempre Virgen es una de las imágenes más bellas de Tintoretto. Un fenómeno completamente único, no en el mejor sentido de la palabra, es el cuadro de la Natividad de Bernardo Cavallino (†1654), que tampoco pertenece a una escuela napolitana particularmente alta. Fue un ecléctico y naturalista que se suicidó a los 31 años por embriaguez. Por supuesto, no se puede esperar un tratamiento noble de un tema tan sublime por parte de pintores de tales escuelas. Sólo un artista de bajo vuelo podría humillar su tema introduciendo detalles como un perro blanco arremetiendo contra un buey paciente en un pesebre. Probablemente el pintor ni siquiera sospechaba cómo traicionaba su estado interior con este detalle y humillaba su propia pintura. Muestra lo peligroso que es convertir el mayor acontecimiento del mundo en una simple trama para la manifestación del estilo y la originalidad del artista, por lo que su cuadro se convirtió en una simple decoración y un apéndice del mobiliario en la casa de su mecenas. Se podía esperar más de Mazzolin (†1528), ese “gusano resplandeciente”, como lo llamaban, de la erudita y noble escuela de Ferrara. Pero también pecó con esta vulgaridad inadmisible, y en su cuadro que representa a la Sagrada Familia, el pequeño Juan Bautista, introducido en el cuadro, en lugar de sumergirse con total reverencia en el acontecimiento ocurrido, se ocupa de proteger al gato de la persecución de un mono domesticado. Por último, destacamos el maravilloso cuadro de la Natividad de Durero, como representante de la escuela alemana. En este cuadro, como es costumbre en toda pintura medieval, se presentan las ruinas de un granero. A la derecha hay dos pastores ancianos arrodillados, uno de los cuales tiene una expresión de asombro en el rostro. Una gran estrella brilla sobre el árbol frente al que se encuentran. A través del arco destruido se puede ver a lo lejos el ángel de la buena nueva, que se apareció a los pastores cuando cuidaban sus rebaños por la noche. A la izquierda, con el rostro lleno de alegría, está el anciano José con una linterna en la mano. Justo en el centro de la imagen hay un mimbre con paja en él, y en él yace el Dios-niño recién nacido, extendiendo su mano derecha hacia su Santísima Madre la Virgen. Se arrodilla frente a la cuna y cruza los brazos transversalmente sobre el pecho con ternura. Detrás de la cuna, arrodillado, se encuentra un bonito ángel bebé, que con infinito cuidado y ternura se inclina sobre el Niño, el Salvador del mundo. Es difícil describir todo el encanto de este pequeño cuadro en toda su incondicional belleza y perfección de diseño y ejecución. La Adoración de los Pastores y la Adoración de los Magos entre los pintores medievales suelen desarrollarse junto con la representación de la Natividad de Cristo, por lo que hablaremos un poco de ellas por separado. De estos temas, el primero fue el menos favorecido, porque daba menos margen para la brillantez y la variedad. La idea central en el mejor desarrollo artístico de este tema suele ser el deseo de ilustrar las recompensas y bienaventuranzas que aguardan a todos los humildes creyentes. 10 En el arte cristiano antiguo, la “Adoración de los pastores”, y como en la pintura de la Natividad de Botticelli, a menudo se combina con la “Adoración de los Magos”. Este último era un tema muy común, como se desprende de las numerosas imágenes presentadas por Fleury; Mientras tanto, respecto al primero, es casi difícil indicar dónde se representa por separado. Casi ningún pintor ha tratado este tema con mayor belleza que Lorenzo Lotto, a quien incluso el malvado Pietro Aretino le gritó: "¡Oh Lotto, bueno como la bondad misma y virtuoso como la virtud misma!" Su cuadro se encuentra en su Bérgamo natal, donde sólo se puede apreciar su verdadera grandeza. 11 En esta imagen, uno de los pastores trae un cordero y lo sostiene frente al Niño Jesús. El Cordero se arrodilla sobre sus rodillas delanteras y aparentemente mira con sentimiento de sorpresa y amor, y el Niño de cabeza dorada levanta sus blancas manos hacia la inocente criatura para abrazarlo por el cuello. Detrás de este pastor se encuentra un ángel grande con las alas azules extendidas, con la mano sosteniendo el manto áspero del pastor, y el segundo ángel pone su mano sobre el hombro de otro pastor. La Santísima Virgen, magnífica figura de flores rojas, azules y blancas, se arrodilla con reverencia ante el Niño, que yace en parte sobre una túnica azul y en parte sobre un paño de mimbre sobre el que se extiende hierba verde. Lotto fue alumno de Bellini y amigo de Tiziano. En la impecable pureza de su arte se parece a Luini, y en la silenciosa conclusión y reclusión de su vida monástica se parece a Fra Angelico. Murió como pensionado de una institución benéfica que él mismo fundó. En 1548, Aretino escribió sobre esta alma pura: "Tu corazón no conoce la envidia; al contrario, sientes placer al ver las bellezas de otros maestros, bellezas que, según te parece, no posees... Si no los superas en pintura, los dejas muy atrás en materia de verdadera piedad. El cielo te ha preparado una gloria que no puede compararse con la alabanza de los hombres". 12 Romanino también representa el culto a los pastores en Brescia, y se distingue por el arte y la gracia característicos de este pintor. La Santísima Virgen está vestida con un magnífico vestido de raso blanco brillante con ribetes dorados sobre una túnica roja. Ella adora al bebé recién nacido acostado sobre satén blanco. Un pastor se inclina sobre él con las manos extendidas y encima revolotean querubines. El notable cuadro de Rembrandt "La Adoración de los Pastores", pintado en 1646, nos impresiona mucho más por el brillo de las luces y las sombras que por el motivo sagrado en sí. Como en el famoso cuadro. Correggio La Nette en la Galería de Dresde, toda la luz del cuadro proviene del Santo Niño y esta luz oscurece por completo la luz del farol en manos de uno de los pastores. Ruskin, tal vez, dice con demasiada dureza que el objetivo de Rembrandt era “pintar lo más vulgar que pudiera ver con una luz rápida”; pero en cualquier caso la grandeza que le corresponde no la adquirió como pintor religioso. En el cuadro de Correggio, por ejemplo, la idea central es el Niño radiante, y en “La Biblia junto a la lámpara” de Rembrandt nos movemos, como dice Gaslitt, “de un abismo de oscuridad a otro”, y no vemos nada excepto parpadeos y sombras. Rembrandt “artísticamente, en cualquier caso, amaba más la oscuridad que la luz”. Velásquez también tiene una imagen de este objeto, y es un cuadro naturalista y algo vulgar. Un pastor, un aldeano del tipo más común, trajo un cordero y aves de corral, y un niño ofreció sus animales al Niño Jesús. Todo esto está lejos de ser una poesía religiosa sublime. "Ninguna Virgen", dice con razón Ford, "entró en el estudio de Velázquez, y ningún querubín revoloteó alrededor de su paleta. No trabajó para ermitaños sagrados o extáticos, sino para reyes emplumados y caballeros con armadura; de ahí la negligencia e incluso en parte el fracaso de sus pinturas religiosas y mitológicas; además, sus pinturas religiosas, como las pinturas de Correggio, son religiosas sólo de nombre; sus grupos están tomados demasiado de la vida baja, y todo esto está representado con tanta sinceridad que esto Toda imagen, que no está en armonía con la sublimidad del tema, oscurece aún más todos los sentimientos superiores”. La pintura más famosa de Correggio es La Notte, ubicada en la Galería de Dresde. Se distingue por toda su belleza característica y su innegable habilidad encantadora en el uso de los colores, la suavidad de la luz y la riqueza de la habilidad técnica. La luz que emana del Divino Niño acostado sobre la paja en el pesebre ilumina el rostro felizmente sonriente de la Santísima Virgen y ciega los ojos de la humilde pastora que trajo un par de tórtolas. 13 El pobre anciano pastor está dispuesto a cubrirse el rostro con su manto, y el brillante joven que está a su lado se gira con gran sorpresa. Detrás de la Santísima Virgen, José ata un asno, y en el cielo un grupo de ángeles de extraordinaria belleza cantan un santo himno navideño. Correggio era un hombre de irritabilidad un tanto morbosa, y se sentía en su esfera, como bien se ha dicho de él, entre objetos paganos o semipaganos, que dan lugar más a una cierta embriaguez de alegría sensual que a los arrobamientos del amor divino. Su Santísima Virgen sale demasiado tierna y sus ángeles se parecen a los brillantes genios del paganismo. "¿Es posible reconocer al Precursor", pregunta Gruet, examinando otro de sus cuadros en la galería de Dresde, "en este Efebo, resplandeciente de felicidad, que mira al espectador con tanto entusiasmo? ¿Es la Santísima Virgen, finalmente, esta hermosa mujer que, con tan dulce languidez, responde a las miradas de admiración de sus admiradores? La deliciosa ternura de sus ángeles y sus santos es mucho más coherente con ese estado crítico en el que la piedad misma proporcionaba un ejemplo de tal sensibilidad, tal, podría decirse, sensualidad religiosa”. "Cuando un pueblo ha alcanzado su culminación", dice Morelli, "vemos en todas partes de la vida cotidiana, como en la literatura y el arte, que la belleza comienza a ser valorada por encima del carácter. Así era en Italia en las últimas décadas del siglo XV y principios del XVI". 14 Adoración de los Reyes Magos. Arroz. 8. En épocas posteriores, el escenario del culto a los Magos fue decorado cada vez con mayor majestuosidad. Los propios Magos son elevados a los "reyes de Oriente" y son tipos de paganismo, riqueza y humanidad en sus tres períodos: juventud, virilidad y vejez. También entran en escena los evangelios apócrifos y los cuentos orientales. 16 El mayor de estos “señores guiados por las estrellas” es el anciano Gaspard con una larga barba plateada. Belsasar era un hombre en la plenitud de su vida, y Melchor era un joven hermoso. A menudo también representan las tres razas de la raza humana: Sem, Cam y Jafet. La riqueza y gracia de los accesorios involucrados, la profundidad del simbolismo y la variedad de desarrollo permitido por el tema fueron las razones naturales por las que este tema se convirtió en uno de los temas más queridos del arte religioso. 1) La adoración de los Reyes Magos es el tema de uno de los cuadros de Fabriano. Esta pintura, ubicada en Florencia, es una obra verdaderamente brillante, no sólo rica y vibrante, sino también llena de sentimiento. Los detalles que contiene son magníficos. Todo el cuadro se distingue por su extraordinaria plenitud. La mano del Niño Cristo, apoyada sobre la calva de un viejo hechicero de barba blanca, que se inclina con extraordinaria humildad para besar el pie del Niño Dios, es una especie de milagro de gracia, dignidad y patetismo. 17 2) Un lugar muy destacado entre las pinturas de este tipo lo ocupa sin duda un cuadro del artista de la escuela veneciana, Paolo Veronese. El cuadro de este último fue pintado en 1573, y Veronés volvió a menudo a este tema, lo que dio amplio alcance a su genio audaz y amante de la brillantez. Su pintura representa un edificio en ruinas de arquitectura romana con columnas, parte de las cuales está cubierta con juncos y que servía de establo. Bajo el techo de este palio, en el lado derecho del espectador, la Santísima Virgen está sentada en una cierta elevación, sosteniendo en sus brazos al Niño, que recibe adoración de tres sabios orientales. El primero de ellos se arrodilla ante Él, el segundo está en la misma posición detrás de Él, y en el lado izquierdo en relación con el espectador se encuentra el tercer hechicero. Un rayo de luz, en el que revolotean varios querubines alados, cae sobre el Niño; y arriba puedes ver un grupo de bebés: ángeles. Detrás de los Reyes Magos está su séquito, algunos trayendo regalos, otros cuidando los caballos y los camellos. Varios aldeanos están mirando al Divino Infante, y a la derecha se puede ver la figura de otra persona con varios perros. Allí mismo hay un buey y un asno; frente al Niño hay un cordero, que aparentemente representa una ofrenda del pastor. 18 3) Una obra sumamente elegante es un cuadro de Durero. La Santísima Virgen, ligeramente inclinada la cabeza hacia un lado (como vemos a menudo en las pinturas de Durero), está sentada apoyada en la piedra rota de la pared de algún edificio destruido. Su rostro está lleno de alegría. El Divino Niño de extrema belleza extiende sus manos hacia el viejo hechicero de cabellos grises, quien se arrodilla e inclina la cabeza ante Él con las manos juntas y una expresión de dichosa sorpresa en el rostro. Presentó sus regalos, que sostiene José, que contempla esta escena por encima del hombro de la Santísima Virgen. El segundo mago sostiene la copa que ofrece como regalo, pero se detiene a esperar al tercero, quien sostiene su casco de plumas en sus manos y se arrodilla, pero aparentemente está demasiado abrumado por el miedo para acercarse. Este hechicero es etíope, aunque su rostro es blanco. A lo lejos, a un lado, junto a otros miembros de la comitiva, un hombre sostiene en sus manos una especie de ofrenda. Del otro lado hay dos pastores. 4) Pero quizás no haya pintura más noble de la “Adoración de los Magos” que los frescos de Bernardino Luini en Saronno. La bella y humilde Siempre Virgen está apoyada en la pared del pesebre, y detrás se ven un buey y un asno. El Divino Niño sostiene el borde de su velo con su mano izquierda. Su mano derecha bendice al majestuoso anciano, el hechicero, vestido de lujo con una cadena de oro, cuya espada y turbante sostiene un apuesto joven. Detrás de este anciano se encuentra el joven Melchor, representado como un apuesto etíope; del otro lado, Belsasar se arrodilla y ofrece sus regalos. Uno de los miembros del séquito se protege los ojos de la estrella que brilla sobre el techo. Otros miembros de la comitiva se acercan a la ladera, encabezando las lanzas, los camellos y la jirafa. En el cielo, coros de hermosos angelitos cantan el villancico. 5) La Adoración de los Magos es la mejor obra entre las pinturas de Domenico Ghirlandaio, en Florencia. Es especialmente bello el joven que sirve la copa al lado derecho de la Santísima Virgen. El anciano Gaspard toma el pequeño pie del Divino Niño en su gran mano y lo besa, mientras María Santísima levanta la mano desconcertada. A lo lejos, a ambos lados del paisaje, se ven pastores mirando sorprendidos al Ángel que se les apareció, así como una imagen de la masacre de los infantes. Este cuadro fue pintado en 1488 y su característica más notable es la representación de dos niños pequeños de apariencia extremadamente natural, junto a Juan el Bautista por un lado y Juan Evangelista por el otro. 6) La pintura de Tintoretto también es muy notable, sorprendente por una maravillosa manifestación de su poder y talento artístico. Toda la imagen representa una gran estrella, cuyo centro es Cristo. Todas las figuras, incluso las vigas y los tejados, irradian, y sobre la pequeña figura luminosa, ante la cual todos inclinan el rostro, revolotean ángeles y la propia estrella, que brilla arriba a través de las vigas, es ya un objeto completamente secundario. Dos palomas, como principales puntos de luz en el anverso del cuadro, recuerdan al espectador la pobreza de la Santísima Madre del Niño, que recibe ofrendas y culto de los Reyes Magos. Nada puede ser a la vez más humilde y majestuoso que la postura de los reyes, y al mismo tiempo, resulta sumamente interesante la realidad de la Madre de Dios cuando ella, dando un paso adelante, levanta la mano con sorpresa y deleite ante el jarrón de oro que acaba de ser colocado frente al Niño, aunque lo hace todo con tanta gracia y tranquilidad que su dignidad no se ve vulnerada en absoluto por la sencillez de esta acción. 7) Esta serie de imágenes artísticas de pintores medievales se puede concluir como su último eco: una muy buena imagen de la "Adoración de los Magos", que Bourne-Jones, un artista inglés, ofrece en su pintura de acuarela "La estrella de Belén". El granero bajo que se muestra en él es el edificio más común de este tipo, pero se encuentra en un jardín de flores con lirios y otras flores, como señal de que con la Venida de Cristo el desierto floreció como una rosa. Un poco atrás, con un velo sobre su cabeza, está el Justo José, que ha recogido un montón de leña fina. Con un rostro sumamente agradable, la Santísima Virgen está sentada sobre un montón de paja y sostiene en su regazo al Divino Niño, que ha vuelto la cabeza para mirar a los Reyes Magos que se acercan. Los conduce un ángel cuya cabeza está coronada de flores y en cuya mano hay una estrella. Gaspar, el mayor de los tres reyes, presenta un joyero. A sus pies yace su corona entre flores. Melchor, parado detrás de él, tiene un casco en la cabeza y está vestido con una armadura brillante y una espada ancha en una rica vaina; su corona de oro está en su mano izquierda, Belsasar, el tercer mago, con una magnífica túnica con lujosos bordados, sostiene sus ofrendas en sus manos; Los ojos de los tres Reyes Magos están intensamente fijos en el Divino Niño. Todos ellos, individual y colectivamente, son tratados con notable gracia, y la autohumillación de la riqueza y la fuerza ante la débil grandeza de la Madre y el Niño impotentes nunca ha encontrado una expresión más verdadera o más hermosa. Así vemos con qué entusiasta reverencia (con muy pocas y, además, desafortunadas excepciones) los ministros del arte medieval desarrollaron el tema sublime de la Natividad de Cristo con las circunstancias que la acompañaron y cuánta verdadera poesía religiosa mostraron en sus maravillosas pinturas. Justifican plenamente la sutil observación del “rey de los poetas” Goethe, quien dijo que las personas sólo son creativas mientras sean religiosas. Esto se aplica igualmente a todas las áreas del arte. Los artistas medievales mantuvieron el mismo tono de alta poesía religiosa en el campo de la representación de "la infancia y la adolescencia de Jesucristo", que se analizará en el próximo libro. “Dio Menschen sind in Poesie und Kunst nur so lange productiv, als sie religiös Bind”. Goethe Utilizamos en este caso la obra del canónigo Farrar “La vida de Cristo representada en el arte”, Londres 1694. Véase Martigny, Dictionnaire des Antiquités chrétiennes bajo la palabra Nitividad, y también en el estudio del Prof. N.V. Pokrovsky: “El Evangelio en los monumentos iconográficos” p. 50 y siguientes. “La hermosa Madre estaba de pie, regocijándose cerca del pesebre con heno, donde yacía el Niño, cuya alma gozosa, inflamada de júbilo, se apoderó de un deleite solemne”. El mismo significado se conserva en Vetus Itala: in medio duorum animalium innotesceris. Desafortunadamente, en el texto sinodal ruso este significado se pierde por completo, y este versículo se lee de acuerdo con el masorético de la siguiente manera: "Completa tu obra entre los años, entre los años revélala", Habak. III, 2. Pistor, De Nativit. Dominio. Este cuadro está en Florencia, en la Academia de las Artes. Este tipo de granero en ruinas se encuentra a menudo en las pinturas de pintores medievales que querían representar este símbolo de la destrucción de la economía del Antiguo Testamento. Monkhouse, Los prerrafaelitas italianos, p.40. En este cuadro, como sabéis, los Reyes Magos son retratos de Tiziano, Rafael y Miguel Ángel. Es interesante notar que en la pintura de Botticelli (no es una de sus mejores obras) el viejo mago es un retrato de Cosma de' Medici, y los otros dos son retratos de Giuliano (que murió en 1616) y Giovani (León X). Paolo Veronese pintó este tema al menos cuatro veces y Rubens al menos seis veces.