Die Geburt Christi, wie sie in der Kunst dargestellt wird

Menschen in Poesie und Kunst sind nur produktiv, solange sie religiös sind 1 Unsere Zeit, die so viel gesündigt hat, indem sie, wie der Apostel es nennt, von den „Winden der Lehre“ mitgerissen wurde, hat gleichzeitig, vielleicht mehr als andere, an der Entwicklung des religiösen Bewusstseins in der christlichen Welt gearbeitet. Zumindest in einer Hinsicht ist dies unbestreitbar und in einer äußerst wichtigen Hinsicht, nämlich im Studium des irdischen Lebens unseres Herrn Jesus Christus. Kein anderes Zeitalter kann sich eines solchen Fleißes beim Studium dieses äußerst wichtigen theologischen Wissensgebiets rühmen, und noch nie ist in relativ kurzer Zeit eine so nahezu immense Literatur erschienen, mit der sich unser Zeitalter in Bezug auf dieses Thema voll und ganz rühmen kann. Natürlich gibt es in dieser Literatur Werke, deren Aufgabe keineswegs das war, was allein dem tiefsten Anliegen des menschlichen Geistes vollständig entsprechen kann, nämlich nicht dem Wunsch, unseren Herrn durch ein gründliches Studium aller Umstände seines irdischen Lebens besser kennenzulernen, sondern dem Wunsch, die göttliche Aura vom Haupt des Gottmenschen zu entfernen; Aber diese Werke blieben nicht ohne ihren Beitrag zu dieser überaus wichtigen Bewegung zu leisten, da sie als Hauptanreiz für die theologische Wissenschaft dienten, sich mit so beispiellosem Eifer einer positiven Untersuchung des Lebens des Herrn Christus zu widmen. Von dieser Seite aus ist es offensichtlich, dass die negative Literatur, wie jedes negative Übel, der allgemeinen Wirtschaft gute Dienste geleistet hat und wesentlich zum Erwachen der guten Kräfte beigetragen hat, die in der Untätigkeit schlummerten. Ohne die berüchtigten Werke von Strauss und Renan hätte man kaum diesen enormen Aufstieg theologischer Kräfte im Kampf gegen Unglauben und Verleugnung erwartet, der die reichhaltigste Literatur zum Studium des irdischen Lebens Jesu Christi hervorbrachte – Literatur, im Vergleich dazu negative Werke wie Tropfen im Meer ertrinken. Doch neben der Wissenschaft hat auch die Kunst auf diesem Gebiet kaum weniger Arbeit geleistet. Das sind zwei Schwestern, Töchter des gleichen Geistes, und sie arbeiten immer zusammen, wenn auch mit unterschiedlichen Werkzeugen. Was die Wissenschaft durch ihre Forschung hervorbringt und in der Literatur verkörpert, verkörpert dieselbe Kunst in künstlerischen Bildern, und dieser enge Zusammenhang zwischen ihnen erklärt die unbestrittene Tatsache, dass dieselben Strömungen sowohl auf dem Gebiet der Wissenschaft als auch auf dem Gebiet der Kunst die gleiche Wirkung haben. Als zum Beispiel im Mittelalter die Wissenschaft völlig der Theologie untergeordnet war, so dass sogar „die Philosophie die Magd der Theologie war“, dann trug die Kunst den unauslöschlichen Abdruck dieser Vorherrschaft der Religion, so dass alle ihre besten Werke gerade auf dem Gebiet des kirchlich-religiösen Lebens lagen und den Abdruck der erhabenen Spiritualität trugen, jener Verkörperung des Unendlichen im Endlichen, die sich besonders durch die mittelalterliche Kunst auszeichnet. Und als die Wissenschaft dann neue Wege der Forschung beschritt, als sich vor ihr neue Bereiche immensen Wissens in der natürlichen Welt öffneten, begann die Kunst, genau diese Welt abzubilden, wodurch ihr Ton tiefer wurde, zumal Künstler den Wunsch hatten, alles Göttliche und Unendliche in die Grenzen des Menschlichen und Endlichen zu drängen. Dies erklärt den kruden Realismus, der sich in den neuesten ausländischen und russischen Kunstwerken im Bereich der Religion (in den Werken von Wereschtschagin, Ge, Repin usw.) immer wieder bemerkbar macht. Aber dieser künstlerische Realismus, der das Ergebnis einer vorübergehenden Begeisterung für die „Winde der Lehre“ ist, kann sich in der Kunst natürlich noch weniger auf das Bürgerrecht verlassen als in der Wissenschaft, denn wenn die Kunst ein Sklave eines solchen Realismus ist, bedeutet sie, ihren eigenen Zweck aufzugeben und in Widerspruch zu sich selbst zu geraten. Daher wird es früher oder später dieses vorübergehende Joch abwerfen und wieder, im Geiste auferstanden, in das Reich der freien Kreativität eintreten, für das das Göttliche und Unendliche gerade das Ideal der Reproduktion des Menschlichen und Endlichen ist. Und dann wird genau dies seine höchste Inspiration in jenem göttlichen Leben finden, das... einst brillante Künstler inspirierte und ihren Namen in der gesamten christlichen Welt berühmt machte. Die Kunst der Malerei widmete sich seit langem, man könnte sagen seit der Entstehung des Christentums, dem Dienst der Religion und reproduzierte mit besonderem Eifer das irdische Leben des Herrn Jesus Christus, wobei sie darin zu Recht ein göttliches Vorbild für das Leben aller Menschen sah. Anfangs näherte es sich diesem Thema jedoch mit großer Vorsicht, und da es in der heidnischen Welt durch die Abscheulichkeiten heidnischer Idole und die Absurditäten heidnischer Mythologien befleckt war, wagte es nicht einmal, die Bilder des göttlichen Erlösers direkt wiederzugeben und reproduzierte ihn in verschiedenen symbolischen Formen – einem Lamm, einem Fisch, einem Anker usw. Später aber, als das Heidentum bereits seine Kraft verloren hatte und sein Einfluss auf die Kunst schwächer wurde, war letzteres der Fall gereinigt von der Sättigung der Sinnlichkeit und inspiriert von einem neuen Geist, begann er, den Gottmenschen und alle Umstände seines Lebens in unmittelbaren, realen Formen darzustellen, zumal die Kirche selbst diesen Kunstgebrauch heiligte und ihn als integralen Bestandteil ihrer heiligen Riten zuließ. Seit dieser Zeit arbeitet die Kunst unermüdlich daran, alle wichtigen Ereignisse aus dem irdischen Leben des Herrn Christus wiederzugeben, und dieser Dienst an seiner Sache des Evangeliums kann durch die beigefügte Skizze der wichtigsten Werke (hauptsächlich mittelalterliche Kunst) aus der Geschichte der Geburt und Jugend Jesu Christi belegt werden. 2 I. Die Geburt des Erlösers in der Darstellung der Kunst Man kann sich kaum ein Ereignis vorstellen, das eine reichere Quelle künstlerischer Inspiration darstellen könnte als das Ereignis der Geburt Christi und die damit einhergehenden wundersamen Umstände. Weihnachten selbst stellte als Verwirklichung des Mysteriums der Inkarnation des Unendlichen Gottes, in dem die Kunst das Ideal für ihre Kreativität findet, die reichste Inspirationsquelle dar, und daher drängten sich sowohl dieses Ereignis als auch alle damit einhergehenden Umstände ganz natürlich in den Pinsel des Künstlers ein. All diese Ereignisse – die Geburt des Königs des Universums in einer elenden Höhle oder einem Viehstall, die Position des Unvorstellbaren in einer Krippe, der Gesang von Engeln, die um Mitternacht der schlafenden Menschheit die Geburt des Erlösers der Welt verkündeten, die Anbetung von Ihm durch elende Hirten, die Ankunft edler Weiser aus dem Osten mit Geschenken für den neugeborenen König der Juden und schließlich der Zorn des Herodes, der Tausende unschuldiger Babys tötete, die Flucht nach Ägypten – All diese und andere daraus resultierende Ereignisse haben die Fantasie der Künstler seit langem in Erstaunen versetzt, die versuchten, sie in den entsprechenden Bildern ihrer Kunst zu verkörpern. Wir werden die wichtigsten dieser Bilder sowohl in der Antike als auch in späterer Zeit erwähnen. Die ersten Spuren der Wiedergabe der Ereignisse und Umstände der Geburt Christi finden sich in den Katakomben, und das hier präsentierte Bild (Abb. 1) ist aller Wahrscheinlichkeit nach das älteste davon. Darauf sehen wir das Bild der Muttergottes – mit ernstem Gesicht und einem Heiligenschein um ihren Kopf – und vor ihr ein gewickeltes Baby in einer Krippe, ähnlich einer Bank, und daneben sind Tierköpfe – ein Ochse und ein Esel – zu sehen, die dann zu traditionellen Accessoires dieser Art von Bild gemacht werden und in allen weiteren Reproduktionen dieses Ereignisses fast ausnahmslos wiederholt werden. Auf diesem Bild ist der Raum, in dem das große Ereignis stattfand, nicht sichtbar. Doch in weiteren Bildern gibt es Versuche seitens der Künstler, den Raum selbst zu definieren. Einer alten Legende zufolge, die im Zeugnis des seligen Hieronymus eine maßgebliche Bestätigung fand, fand die Geburt Christi in einer Höhle statt, die auch als Stall für Tiere diente. Aber die ältesten Künstler begannen in dieser Hinsicht schon früh von dieser Tradition abzuweichen und stellten die Szene der Geburt Christi meist in einer armen, von Menschenhand erbauten Hütte dar. Zwar verbanden sie diese Szene gleichzeitig mit der Verehrung der Heiligen Drei Könige, die laut der Evangeliumserzählung das Kind und seine Mutter bereits „im Haus“ vorfanden. Dies ist zum Beispiel das Bild auf einem gravierten Stein aus dem Vettari-Museum, wo neben der üblichen Fassung (zwei Tiere) ein Stern abgebildet ist, der auf das Kind scheint. 3 Das Ereignis der Geburt Christi selbst war so freudig, dass der zentrale Gedanke bei der Darstellung in der Kunst genau das Gefühl von Jubel und Freude war, das im Mittelalter in einem besonderen religiösen Lied zum Ausdruck kam, das damals im Westen ebenso beliebt war wie Jakopsons Lied über das Leiden des Erlösers, das es später ersetzte. Alle antiken Künstler versuchten in ihren religiösen Bildern dieselbe Idee auszudrücken, die der unbekannte Dichter mit den folgenden Worten ausdrückte: Laetabundam: et ferventem Pertransivit: jubilus.:: 4 : Im Allgemeinen brachten die antiken Künstler wenig Abwechslung in dieses Bild, und in ihren Gemälden treffen wir immer auf das Gleiche – die jubelnde Mutter Gottes, die in Windeln sitzt und in der Krippe des göttlichen Kindes liegt, den ernsthaften, gerechten Josef, versunken in Selbstreflexion, die Hirten mit einem Ausdruck überraschter Ehrfurcht in ihren Gesichtern und darüber – Engel, die ihre feierliche Hymne singen: „Ehre sei Gott in der Höhe, und es gibt Frieden auf Erden und guten Willen zu.“ Männer.“ Immer gleichzeitig werden auch ein Ochse und ein Esel vorgestellt, entsprechend dem griechischen Text des berühmten Verses des Propheten Habakuk ἐν μέσῳ δύο ζώων γνωσϑήση – „Unter zwei Tieren wirst du erkannt werden“ 5 Dieses letzte Merkmal war so tief im Bewusstsein eingeprägt, dass es im Bekannten seinen Ausdruck fand Pistors lateinisches Gedicht „Über die Geburt des Herrn“, in dem es heißt: Puer: Natus in Bethlehem, Hallo: von: jacet in praesepio Quod puer erat Dominus.: 6 „Ein Kind wurde in Bethlehem geboren, Wer regiert ohne Grenzen. Die künstlerische Bearbeitung der Legende von der Geburt Christi in diesem Ton setzte sich bis ins 14. Jahrhundert nahezu unverändert fort. Unter den Künstlern dieser Art sticht Orcagna hervor, dessen Gemälde lediglich eine Reproduktion der Evangeliumsgeschichte von der Geburt Christi für diejenigen ist, die nicht lesen konnten; Giotto, der Anzeichen von Naturalismus zeigt, d. h. den Wunsch, in diese Geschichte die Merkmale rein menschlicher Lebensbedingungen einzubringen. Nach und nach entwickelte sich eine künstlerischere Behandlung dieser Handlung. Masolipo da Papicale stellt einen Felsen dar, in dessen Felsspalte der Legende nach Hirten normalerweise Zuflucht vor Stürmen fanden, und dieser Felsen tauchte häufig in künstlerischen Darstellungen auf. Paula und Eustochia, Gefährten des seligen Hieronymus auf seiner Pilgerreise ins Heilige Land, sagen in ihrem Brief von Bethlehem nach Rom an Marcella: „In der Felsschlucht wurde der Schöpfer des Firmaments geboren.“ Die fromme Fantasie des Künstlers hat diesen Felsen geschmückt, und der Felsen erblüht wie ein Frühlingsbaum, um den Herrn des Lebens zu empfangen. Auch der Jüngling Johannes der Täufer ist mit einem Kreuz aus Schilfrohr anwesend. Die ewige Jungfrau kniet mit zum Gebet gefalteten Händen vor ihrer Gottheit. Sohn. Im Himmel sieht man die offenen Arme Gottes, des Vaters, und den Heiligen Geist, der in Form einer Taube ausstrahlt, begleitet von zwei Engeln. 7 Im Markuskirche in Venedig gibt es eine schöne Darstellung der Geburt Christi von Angelico, der sie mit seiner charakteristischen Einfachheit und seinem himmlischen Charme wiedergibt. Doch die bemerkenswerteste Reihe künstlerischer Werke beginnt mit dem Gemälde von Piero della Francesca (in der British National Gallery). Das Gemälde dieses Künstlers ist voller Originalität und Charme. Der neugeborene Christus liegt auf einem Kissen inmitten von Blumen und hebt seine kleinen Arme. Zu seinen Füßen kniet im Gebet die Heilige Jungfrau Maria in göttlicher Einfachheit. Hinter ihr sitzt der gerechte Josef im Sattel und umarmt sein Knie mit den Händen, und hinter ihnen stehen Hirten, von denen einer zum Himmel zeigt. Weiter sieht man die Ruine einer Scheune, auf deren mit Gras bewachsenem Dach eine Elster sitzt. 8 Zur Rechten ist eine Stadt und zur Linken ist ein Tal mit Felsen und Bäumen. Überall in der Landschaft sind hier und da Vögel zu sehen. Zwischen der Scheune und dem Kind steht eine Engelsgruppe mit Musikinstrumenten in den Händen. Wie Engel werfen sie keinen Schatten, sondern öffnen ihren Mund wie Sänger und rasseln mit den Fingern auf ihren Instrumenten. Zwischen den Engeln und der ewigen Jungfrau steht ein Ochse und schaut auf das Baby, und über der Schulter eines von ihnen hebt ein Esel seinen Kopf, der offenbar einen überraschten Schrei ausstößt. „In seinen Farben“, sagt ein Kritiker, „ist dies ein völlig originelles Bild – mit seinen zarten Farbtönen in sanften Blautönen, mit seinen Braun- und Grautönen. Es gibt keine Luftperspektive, aber das Bild ist eine Sammlung sorgfältiger Skizzen. Sogar die Perlen auf den Kleidern der Allerheiligsten Jungfrau und der Engel sind sorgfältig verziert. Die gesamte Inszenierung ist frisch und charmant und doch religiös, weil der Maler beschlossen hat, sein Gefühl in den Formen seiner Erfahrung zu verkörpern.“ 9 Ein kleines Gemälde von Sandro Botticelli (in der British National Gallery) ist in seiner Gestaltung und Ausführung sehr bemerkenswert. Dies ist wie eine ganze Weihnachtspredigt mit dem Ziel, die Ergebnisse, die die Geburt des Erlösers im Himmel, auf der Erde und unter der Erde hervorgebracht hat, in Farben darzustellen und die eigentliche Bedeutung der Menschwerdung zu verdeutlichen, durch die Gott mit den sündigen Menschen versöhnt wurde und der Mensch weniger als niedriger als die Engel wurde und mit Herrlichkeit und Ehre gekrönt wurde. Der obere Teil des Bildes zeigt den Himmel, dessen zarte Farben sich allmählich verdichten und sich dem Erdhorizont nähern. Im Himmel jubeln Engel in Kleidern in den zartesten Farben, „springen und spielen“ in religiöser Freude. Ihre Flügel verändern, ebenso wie ihre Kleidung, ihre Farbe und variieren zwischen Rot, Grün und Weiß. In den Händen eines jeden von ihnen befindet sich ein Oliven- und Lorbeerzweig sowie eine Schriftrolle mit der Aufschrift: „Gloria in Excelsis Deo, an der eine hellgoldene Krone hängt.“ Die Gesichter einiger von ihnen sind dem Himmel zugewandt und spiegeln den Glanz der seligen Vision wider, während andere auf die Erde blicken und in ihrem frommen Blick die Worte zu lesen scheinen: et in terris pax, hominibus bonae voluntatis (und auf Erden herrscht Frieden, guter Wille unter den Menschen). Direkt unter ihnen befindet sich ein dunkler Hain – Dantes Symbol für den verworrenen Wald des menschlichen Lebens. Aber inmitten des düsteren Waldes steht auf einer weißen Felsmasse – einem Symbol der Reinheit und unerschütterlichen Kraft des Evangeliums – der Viehstall von Bethlehem. Auf den Dächern dieses Stalles oder Schuppens singen drei Engel ein Loblied, einer davon in roter Kleidung – der Engel der Liebe, in Weiß – der Engel der Unschuld und in Grün – der Engel der Hoffnung. Und auf dem Boden der Kabine liegt das göttliche Kind in der ganzen Freude der Kindheit, das, indem es den Finger einer Hand an seine Lippen hebt, zu sagen scheint: „Ich bin das Wort Gottes.“ Die Allerheiligste Maria kniet zu seinen Füßen, und an der Spitze sitzt, in tiefer Selbsterniedrigung auf den Sattel gelehnt, der rechtschaffene Josef gebeugt und bedeckt sein Gesicht mit einem Umhang. Hinter ihm stehen ein Ochse, ein Esel und eine Krippe – als Zeichen dafür, dass sich auch der himmlische Vater um Tiere kümmert. An den Seiten des Standes sind drei weise Männer und drei Hirten dargestellt, die die gesamte Menschheit repräsentieren – sowohl Juden als auch Heiden, in allen Altersgruppen und Stellungen. Sie werden von Engeln zum neugeborenen Christus geführt, der ihre Häupter mit Maslenitsa-Zweigen krönt – ein Symbol für Fruchtbarkeit, Frieden und Freude. Unter ihnen umarmen sich drei Figurenpaare freudig, und drei leuchtende Engel mit der Inschrift „Guter Wille in den Menschen“ auf ihren Schriftrollen umarmen einen jungen Mann, einen alten Mann und einen reifen Mann als Zeichen dafür, dass Himmel und Erde, versöhnt durch die Geburt des Erlösers, nach langer Trennung zur Wiedervereinigung eilten. Ganz unten im Bild sind kleine und hässliche Teufel in verängstigtem Zustand zu sehen, die versuchen, sich in den Schluchten zu verstecken, und so zeigt das Bild insgesamt den Einfluss der Geburt Christi auf die guten und bösen Mächte der Welt. Oben befindet sich eine dürftige griechische Inschrift, die darauf hinweist, dass das Gemälde im Jahr 1500 gemalt wurde. In der dunkelsten Zeit Italiens, als sich offenbar alle in der Apokalypse vorhergesagten Katastrophen darüber abspielten. Generell schwingt in allen Gemälden Botticellis ein Ton tiefer Traurigkeit mit, der sich auch in der Darstellung des Jubels bemerkbar macht. Das begleitende Bild der Geburt Christi von Antonio Rossellino wurde in etwa im gleichen Geist geschrieben, allerdings mit deutlicheren Zügen einer naturalistischen Ausrichtung. Die Hauptfigur darauf ist die Gottesmutter, die mit gefalteten Händen betend und ehrfürchtig über dem Gotteskind steht, das in der ganzen Fröhlichkeit der Kindheit auf dem Kissen liegt und einen Finger an die Lippen hebt als Zeichen, dass er das Wort Gottes ist. Hinter der Gottesmutter links steht nachdenklich der gerechte Josef, hinter ihm ein Ochs und ein Esel, die aus dem Stall kommen. Auf der rechten Seite ist ein hoher Berg zu sehen, der das Alte Testament vom Neuen Testament trennt, und dahinter ein Hirte mit seiner Herde, der überrascht zu einem vom Himmel herabsteigenden Engel aufblickt. Andere Hirten gehen bereits zum Gotteskind, um ihn anzubeten. Das gesamte Bild ist von Putten umgeben, die im Wechsel mit Sternen sozusagen einen himmlischen Heiligenschein für das Gotteskind bilden. Antonio Rosseliano. Reis. 2 Auch für den sanften, frommen Lorenzo di Credi (geb. 1456) war die Geburt Christi ein Lieblingsthema. Sein bestes und wichtigstes Werk befindet sich in der Akademie der Schönen Künste in Florenz. In ihm liegt das Gotteskind, mit dem Finger auf seinen Mund zeigend (wie es bei Malern dieser Schule üblich war), nicht auf einem Kissen, sondern auf Kleidern, die auf einer Weizengarbe liegen, als Zeichen dafür, dass er das Brot des Lebens ist. Auf der linken Seite kniet ein Hirte und verrichtet den Gottesdienst; Hinter dem Gotteskind steht ein weiterer Hirte, voller Ehrfurcht und Überraschung. Der dritte Hirte, ein hübscher junger Mann mit intelligentem Gesicht, bringt ein Lamm. Auf der rechten Seite betet die Heilige Jungfrau mit einem Ausdruck von Trauer und Demut. Auf beiden Seiten von ihr knien junge Engel, und die anderen beiden flüstern leise miteinander, wobei einer von ihnen mit dem Finger zum Himmel zeigt, als würde er sagen: „Dieses Baby ist der Sohn Gottes.“ Der rechtschaffene Joseph blickt, auf seinen Stab gestützt, nachdenklich auf die ganze Szene. Dieses Gemälde weist einen Mangel an Originalität auf und erinnert in seinen Details an ähnliche Gemälde anderer Künstler seiner Zeit (Leonardo, Perugino, Luini usw.), aber im Allgemeinen überrascht es durch die Harmonie seiner Komposition, die Vielfalt des Ausdrucks und die tiefe Aufrichtigkeit des Gefühls. Lorenzo ließ sich damals nicht von solchen Wirbelstürmen der Inspiration und Leidenschaft mitreißen wie Michelangelo. Alles an ihm ist in eine helle und ruhige Stille getaucht. Das ist ein sicheres Zeichen innerer Größe. „Die großen Werke, die Gott in den Herzen seiner Geschöpfe inspiriert“, sagt Bossuet, „erzeugen auf natürliche Weise Stille, Freude und etwas unerklärlich Göttliches, das jeden Ausdruck unterdrückt.“ Etwa zur gleichen Zeit arbeitete Ambrogio Borgognone viel in Mailand und Padua. Er besitzt ein wunderschönes Gemälde der Geburt Christi in der Kirche St. Celsus in Mailand. Darin kniet die Muttergottes hinter dem Gotteskind und segnet den Autor des Bildes selbst. Auf beiden Seiten der Muttergottes stehen der heilige Johannes und der heilige Rochus – ernste, edle Gestalten. Zwei kleine Engel knien auf dem Boden, die anderen drei sind im Himmel. Er hat auch ein Gemälde in Dresden, auf dem die Mutter Gottes, gekleidet in ein langes weißes Kleid mit Goldstickerei, unter der Krone des Wortes Rach („Frieden“) einen Ausdruck tiefster Trauer hat, obwohl darüber der himmlische Vater in seiner ganzen Pracht in einer Engelswolke mit Schriftrollen erscheint, auf denen die Worte sichtbar sind: Gloria in excelsis. Borgognone war ein Mann von raffinierter Natur und starkem religiösen Gefühl. Die Darstellung göttlicher oder weltlicher Gestalten in ruhiger Stille oder selbstlosem Leiden entsprach am besten seinem Temperament. Darüber hinaus entsprechen die Farben selbst diesem vorherrschenden Gefühl; Die graue Blässe seiner Gesichter wird nur gelegentlich durch vor Trauer gerötete Augenlider verändert. Nichts könnte berührender und schöner sein als der Typ und Charakter einiger seiner schönsten Gesichter. In einem völlig anderen Geist ist, wie man erwarten könnte, Luca Signorellis Gemälde der Geburt Christi (in der British National Gallery); Es handelt sich um ein ansprechendes und trotz seiner braunen Farbgebung prächtiges Bild, in dem der Autor versucht, die ganze Geschichte der Geburt Christi nach dem Lukasevangelium unmittelbar zu erzählen. Ein nacktes Baby liegt auf einem Kissen. Die kniende Gottesmutter ist in ein Kleid aus Blau und Grün gekleidet, den Farben des Himmels und der Hoffnung. Rechts sitzt der gerechte Joseph in einem rot-orangefarbenen Gewand. Dahinter sind drei leuchtende Engel zu sehen, deren Flügel in Gold und bunten Farben glitzern. Auf der linken Seite sind zwei kniende Hirten zu sehen, hinter denen andere stehen, und alle sind von der himmlischen Vision äußerst erstaunt. Einer der Hirten hat sich in eine Höhle geflüchtet, wo er Flöte spielt und mit Efeu gekrönt ist wie ein junger griechischer Gott (ein offensichtliches Echo der Antike). Man kann ihre Gesichter kaum als fromm oder zärtlich bezeichnen, aber man kommt nicht umhin, in dem braungebrannten Hirten mit Strohhut und in seinem jungen Begleiter die subtilste menschliche Schönheit zu erkennen. Auf beiden Seiten der Allerheiligsten Jungfrau stehen blonde Engel, von denen einer etwas affektiert hinter den Schultern der Allerheiligsten Maria hervorschaut. Es gibt ein wunderschönes Bild der Geburt Christi in Bologna, Frankreich. Es wurde auf Wunsch von Anton Bentivoglio, einem Ritter des Roten Kreuzes, gemalt, der selbst betend unter Hirten dargestellt ist. Rechts stehen ein Bischof mit Mitra und zwei Heiligen, in der Mitte kniet mit selig strahlendem Gesicht die Heilige Jungfrau in Gebetshaltung. Die Besonderheit dieses Bildes liegt in der Intensität der Konzentration, mit der jeder Gedanke und jeder Blick auf das strahlende Gotteskind gerichtet ist, das inmitten aller auf einem kleinen Bett liegt. Neben ihm singen zwei Vögel, die auf einem Busch sitzen, der aus einer Felsspalte ragt. Das Gemälde der Geburt Christi von Tintoretto in der „Schule von St. Rocco“ zeichnet sich durch große Originalität aus. Das Ereignis ist oben im Stand dargestellt; Unten sind ein Ochse und ein Esel, daneben ein Pfau. Der Hahn wühlt im Stroh. Das göttliche Kind liegt in einer Art Weidenwiege, und die ewige Jungfrau lüftet den Schleier, um ihren Sohn einer Gruppe zärtlicher Dorfhirten zu zeigen. Das Gesicht der ewigen Jungfrau ist eines der schönsten Bilder Tintorettos. Ein völlig einzigartiges Phänomen, nicht im besten Sinne des Wortes, ist das Gemälde der Geburt Christi von Bernardo Cavallino (†1654), das ebenfalls keiner besonders hohen neapolitanischen Schule angehört. Er war ein Eklektiker und Naturforscher, der im Alter von 31 Jahren aus Trunkenheit Selbstmord beging. Natürlich kann man von Malern dieser Schulen keine edle Behandlung eines so erhabenen Themas erwarten. Nur ein niedrig fliegender Künstler könnte sein Thema demütigen, indem er Details wie einen weißen Hund einführt, der sich auf einen geduldigen Ochsen an einer Krippe stürzt. Der Maler ahnte wahrscheinlich nicht einmal, wie er mit diesem Detail seinen inneren Zustand verriet und sein eigenes Gemälde demütigte. Es zeigt, wie gefährlich es ist, das größte Ereignis der Welt in eine einfache Handlung zur Manifestation des Stils und der Originalität des Künstlers zu verwandeln, und so wurde sein Gemälde zu einer einfachen Dekoration und einem Möbelstück im Haus seines Gönners. Von Mazzolin (†1528), dem „leuchtenden Wurm“, wie er aus der gelehrten und edlen Schule von Ferrara genannt wurde, konnte man mehr erwarten. Aber er sündigte auch mit dieser unzulässigen Vulgarität, und in seinem Gemälde der Heiligen Familie ist der kleine Johannes der Täufer, der ins Bild gebracht wird, damit beschäftigt, die Katze vor der Verfolgung durch einen zahmen Affen zu schützen, anstatt völlig andächtig in das Geschehene versunken zu sein! Als Vertreter der deutschen Schule sei abschließend das wunderbare Bild der Geburt Christi von Dürer erwähnt. Auf diesem Bild sind, wie in allen mittelalterlichen Gemälden üblich, die Ruinen einer Scheune dargestellt. Auf der rechten Seite knien zwei ältere Hirten, einer von ihnen hat einen ehrfürchtigen Gesichtsausdruck. Über dem Baum, vor dem sie stehen, leuchtet ein großer Stern. Durch den zerstörten Torbogen kann man in der Ferne den Engel der frohen Botschaft sehen, der den Hirten erschien, als sie nachts ihre Herden bewachten. Links steht mit freudigem Gesicht der betagte Josef mit einer Laterne in der Hand. Genau in der Mitte des Bildes befindet sich ein Korbgeflecht mit eingelegtem Stroh. Darin liegt das neugeborene Gotteskind und streckt seiner heiligsten Mutter, der Jungfrau, seine rechte Hand entgegen. Sie kniet vor der Wiege und verschränkt zärtlich die Arme kreuzweise auf der Brust. Hinter der Wiege kniet ein hübscher kleiner Engel, der sich mit grenzenloser Fürsorge und Zärtlichkeit über das Baby, den Retter der Welt, beugt. Es ist schwierig, den ganzen Charme dieses kleinen Gemäldes in seiner bedingungslosen Schönheit und Perfektion in Design und Ausführung zu beschreiben. Die Anbetung der Hirten und die Anbetung der Könige werden bei mittelalterlichen Malern oft zusammen mit der Darstellung der Geburt Christi entwickelt, weshalb wir separat etwas über sie sagen werden. Von diesen Themen war das erste weniger beliebt, da es weniger Raum für Brillanz und Abwechslung bot. Die zentrale Idee bei der besten künstlerischen Entwicklung dieses Themas ist normalerweise der Wunsch, die Belohnungen und das Glück zu veranschaulichen, die alle bescheidenen Gläubigen erwarten. 10 In der antiken christlichen Kunst wird die „Anbetung der Hirten“ und wie in Botticellis Gemälde der Geburt Christi oft mit der „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ kombiniert. Letzteres war ein äußerst häufiges Thema, wie aus den vielen von Fleury präsentierten Bildern hervorgeht; Was das erste betrifft, ist es mittlerweile schwierig, annähernd anzugeben, wo es separat dargestellt wird. Kaum ein Maler hat dieses Thema mit größerer Schönheit behandelt als Lorenzo Lotto, zu dem selbst der böse Pietro Aretino rief: „O Lotto, gut wie die Güte selbst und tugendhaft wie die Tugend selbst!“ Sein Gemälde befindet sich in seiner Heimat Bergamo, wo nur seine wahre Größe zu sehen ist. 11 Auf diesem Bild hat einer der Hirten ein Lamm gebracht und hält es vor das Christkind. Das Lamm kniete auf seinen Vorderknie und schaute offenbar mit einem Gefühl der Überraschung und Liebe zu, und das goldköpfige Kind streckt seine weißen Hände dem unschuldigen Geschöpf entgegen, um es um den Hals zu legen. Hinter diesem Hirten steht ein großer Engel mit ausgebreiteten blauen Flügeln, seine Hand hält den rauen Mantel des Hirten, und der zweite Engel legt seine Hand auf die Schulter eines anderen Hirten. Die Heilige Jungfrau, eine prächtige Figur aus roten, blauen und weißen Blumen, kniet ehrfürchtig vor dem Kind, das teils in einem blauen Gewand, teils in einem Korbtuch mit grünem Gras darauf liegt. Lotto war ein Schüler von Bellini und ein Freund von Tizian. In der makellosen Reinheit seiner Kunst ähnelt er Luini, und in der ruhigen Selbstbeschlossenheit und Abgeschiedenheit seines Klosterlebens ähnelt er Fra Angelico. Er starb als Rentner einer von ihm selbst gegründeten gemeinnützigen Einrichtung. Im Jahr 1548 schrieb Aretino über diese reine Seele: „Dein Herz kennt keinen Neid; im Gegenteil, du verspürst Freude beim Anblick der Schönheiten anderer Meister, die du, wie es dir scheint, nicht besitzt... Wenn du sie in der Malerei nicht übertriffst, lässt du sie in Sachen wahrer Frömmigkeit weit hinter dir. Der Himmel hat für dich eine Herrlichkeit vorbereitet, die mit dem Lob der Menschen nicht zu vergleichen ist.“ 12 Romanino stellt auch die Hirtenverehrung in Brescia dar und zeichnet sich durch die für diesen Maler charakteristische Kunst und Anmut aus. Die Heilige Jungfrau trägt ein prächtiges Kleid aus weißem, glänzendem Satin mit Goldbesatz über einer roten Tunika. Sie betet das neugeborene Baby an, das auf weißem Satin liegt. Ein Hirte beugt sich mit ausgestreckten Händen über ihn, und über ihm flattern Putten. Rembrandts bemerkenswertes Gemälde „Die Anbetung der Hirten“ aus dem Jahr 1646 beeindruckt uns viel mehr durch die Helligkeit von Licht und Schatten als durch das heilige Motiv selbst. Wie auf dem berühmten Gemälde. Correggio La Nette in der Dresdner Galerie, das gesamte Licht im Bild kommt vom Heiligen Kind und dieses Licht verdeckt völlig das Licht der Laterne in den Händen eines der Hirten. Ruskin sagt vielleicht zu hart, dass Rembrandts Ziel darin bestand, „das Vulgärste, was er sehen konnte, in einem kurzen Licht zu malen“; aber auf jeden Fall hat er sich als religiöser Maler nicht die Größe erworben, die ihm zukommt. In Correggios Gemälde zum Beispiel ist das strahlende Kind die zentrale Idee, und in Rembrandts „Bibel bei Lampe“ bewegen wir uns, wie Gaslitt sagt, „von einem Abgrund der Dunkelheit zum anderen“ und sehen nichts außer Flackern und Schatten. Rembrandt „liebte künstlerisch jedenfalls die Dunkelheit mehr als das Licht.“ Velasquez hat auch ein Bild dieses Objekts, und es ist ein naturalistisches und etwas vulgäres Bild. Ein Hirte – ein ganz gewöhnlicher Dorfbewohner – brachte ein Lamm und Geflügel, und ein Junge bot dem Christkind seine Tiere an. All dies ist alles andere als erhabene religiöse Poesie. „Keine Jungfrau“, sagt Ford zu Recht, „betrat Velasquez‘ Atelier, und keine Putten flatterten um seine Palette. Er arbeitete nicht für heilige oder ekstatische Einsiedler, sondern für gefiederte Könige und gepanzerte Ritter; daher die Nachlässigkeit und teilweise sogar das Scheitern seiner religiösen und mythologischen Gemälde – außerdem sind seine religiösen Gemälde, wie die Gemälde von Correggio, nur dem Namen nach religiös; seine Gruppen sind zu sehr vom niederen Leben übernommen, und das alles wird so dargestellt.“ wahrhaftig, dass gerade dieses Bild, das nicht im Einklang mit der Erhabenheit des Themas steht, alle höheren Gefühle noch mehr verdunkelt.“ Correggios berühmtestes Gemälde ist La Notte, das sich in der Dresdner Galerie befindet. Es zeichnet sich durch seine charakteristische Schönheit und die unbestreitbar bezaubernde Kunstfertigkeit im Umgang mit Farben, die Sanftheit des Lichts und den Reichtum an technischem Können aus. Das Licht, das vom göttlichen Kind ausgeht, das auf dem Stroh in der Krippe liegt, beleuchtet das glückselig lächelnde Gesicht der Heiligen Jungfrau und blendet die Augen der bescheidenen Hirtin, die ein Paar Turteltauben gebracht hat. 13 Der arme alte Hirte ist bereit, sein Gesicht mit seinem Mantel zu verhüllen, und der strahlende Jüngling neben ihm wendet sich entzückt und überrascht ab. Hinter der Heiligen Jungfrau bindet Josef einen Esel an, und im Himmel singt eine Gruppe von Engeln von außergewöhnlicher Schönheit ein heiliges Weihnachtslied. Correggio war ein Mann von etwas krankhafter Reizbarkeit, und er fühlte sich in seiner Sphäre, wie man ganz richtig über ihn bemerkt hat, inmitten heidnischer oder halbheidnischer Objekte, die eher Raum für einen gewissen Rausch sinnlicher Freude als für die Verzückungen göttlicher Liebe bieten. Seine Heilige Jungfrau wirkt zu zärtlich, und seine Engel ähneln den strahlenden Genies des Heidentums. „Ist es möglich, den Vorläufer zu erkennen“, fragt Gruet und betrachtet ein weiteres seiner Gemälde in der Dresdner Galerie, „in diesem vor Glück strahlenden Ephebe, der den Betrachter mit so viel Begeisterung ansieht? Ist es schließlich die Heilige Jungfrau, diese schöne Frau, die mit so süßer Mattigkeit auf die bewundernden Blicke ihrer Verehrer reagiert? Die entzückende Zärtlichkeit seiner Engel und seiner Heiligen entspricht viel mehr diesem kritischen Zustand, für den die Frömmigkeit selbst ein Beispiel lieferte.“ solche Sensibilität, so könnte man sagen, religiöse Sinnlichkeit.“ „Wenn ein Volk seinen Höhepunkt erreicht hat“, sagt Morelli, „sehen wir überall im Alltagsleben, wie in Literatur und Kunst, dass die Schönheit über den Charakter gestellt wird. So war es in Italien in den letzten Jahrzehnten des 15. und frühen 16. Jahrhunderts.“ 14 Das beigefügte Foto des wunderschönen Gemäldes von Fiorenzo di Lorenzo aus der Gemäldegalerie in Perugio zeigt möglicherweise den Stimmungsunterschied, der die perugianischen Maler des 15. Jahrhunderts von den Parma-Malern des 16. Jahrhunderts unterscheidet. Anbetung der Hirten - Correggio. Reis. 4. Anbetung der Heiligen Drei Könige. Reis. 6. Auch die Verehrung der Heiligen Drei Könige wurde schon früh zum Gegenstand künstlerischer Darstellungen, und wir präsentieren hier eines der frühesten und darüber hinaus sehr interessanten Beispiele dieser Art. Dies ist ein Foto vom prächtigen Grab des Exarchen Isaak in der Kirche St. Vital in Ravenna. Es stammt aus dem 6. Jahrhundert und die darauf befindlichen Figuren bewahren noch immer etwas von der Anmut der Antike. 15 Die Magier tragen dem Brauch entsprechend phrygische Mützen auf dem Kopf, sie sind in kurze Tuniken, wallende Umhänge und Apachyriden (Haremshosen) gekleidet, und jeder hält in seiner Hand eine Schale mit Geschenken, die dem göttlichen Kind überreicht werden sollen. Das Baby selbst sitzt auf dem Schoß seiner Mutter, hinter der ein geheimnisvoller Oststern scheint. Das einzige Ziel der antiken christlichen Künstler bestand darin, dieses Ereignis in seiner völligen Einfachheit wiederzugeben. Anbetung der Heiligen Drei Könige. Reis. 8. In der Folgezeit wurde der Schauplatz der Heiligen Drei Könige immer prächtiger ausgestattet. Die Heiligen Drei Könige selbst werden zu den „Königen des Ostens“ erhoben und sind Ausdruck des Heidentums, des Reichtums und der Menschlichkeit in seinen drei Perioden – Jugend, Männlichkeit und Alter. Auch apokryphe Evangelien und orientalische Erzählungen werden ins Spiel gebracht. 16 Der älteste dieser „sterngeführten Herren“ ist der alte Mann Gaspard mit einem langen silbernen Bart. Belsazar war ein Mann in der Blüte seines Lebens und Melchior war ein wunderschöner junger Mann. Oftmals stellen sie auch die drei Rassen der Menschheit dar – Sem, Ham und Japheth. Der Reichtum und die Anmut der verwendeten Accessoires, die Tiefe der Symbolik und die vielfältigen Entwicklungsmöglichkeiten, die das Thema ermöglichte, waren die natürlichen Gründe, warum dieses Thema zu einem der beliebtesten Themen der religiösen Kunst wurde. 2) Einen sehr herausragenden Platz unter Gemälden dieser Art nimmt zweifellos ein Gemälde des Künstlers der venezianischen Schule, Paolo Veronese, ein. Das Bild des letzteren wurde 1573 gemalt. Und Veronese kam oft auf dieses Thema zurück, was seinem kühnen und brillanten Genie großen Spielraum gab. Sein Gemälde zeigt ein zerstörtes Gebäude römischer Architektur mit Säulen, von denen ein Teil mit Schilf bedeckt ist und die als Stall dienten. Unter dem Dach dieses Baldachins, auf der rechten Seite des Betrachters, sitzt die Heilige Jungfrau auf einer bestimmten Anhöhe und hält das Kind in ihren Armen, das von drei östlichen Weisen verehrt wird. Der erste von ihnen kniet vor ihm, der zweite steht in derselben Position hinter ihm und auf der linken Seite im Verhältnis zum Betrachter steht der dritte Zauberer. Ein Lichtstrahl, in dem mehrere geflügelte Putten flattern, fällt auf das Kind; und oben sieht man eine Gruppe Babys – Engel. Hinter den Heiligen Drei Königen steht ihr Gefolge, einige bringen Geschenke, während andere sich um die Pferde und Kamele kümmern. 3) Ein äußerst elegantes Werk ist ein Gemälde von Dürer. Die Heilige Jungfrau sitzt, ihren Kopf leicht zur Seite neigend (wie wir es oft auf Dürers Gemälden sehen), an den zerbrochenen Stein der Mauer eines zerstörten Gebäudes gelehnt. Ihr Gesicht ist voller Freude. Das göttliche Kind von außergewöhnlicher Schönheit streckt seine Hände dem alten grauhaarigen Zauberer entgegen, der mit gefalteten Händen und einem Ausdruck glückseliger Überraschung auf seinem Gesicht kniet und seinen Kopf vor ihm neigt. Er überreichte seine Gaben, die Josef in der Hand hält, der diese Szene über die Schulter der Heiligen Jungfrau betrachtet. Der zweite Zauberer hält den Kelch, den er als Geschenk anbietet, in der Hand, bleibt aber stehen und wartet auf den dritten, der seinen gefiederten Helm in den Händen hält und niederkniet, aber offensichtlich zu große Angst hat, um näher zu kommen. Dieser Zauberer ist ein Äthiopier, obwohl sein Gesicht weiß ist. In der Ferne, auf der einen Seite, hält ein Mann zusammen mit anderen Mitgliedern des Gefolges eine Art Opfergabe in seinen Händen. Auf der anderen Seite stehen zwei Hirten. Ein geheimnisvoller Stern funkelt am Himmel und drei kleine Engel singen: „Ehre sei Gott in der Höhe.“ Einer der Ochsen, dessen Kopf hinter dem Zaun hervorschaut, reibt sanft seinen Kopf an dem alten Joseph, und seine Augen schauen so ernst, als hätte auch er das göttliche Geheimnis, das sich vor ihm abspielte, teilweise verstanden. Dürer malte im Jahr 1500 noch ein weiteres interessantes Gemälde für Friedrich den Weisen, das ebenso bemerkenswert ist, wenn auch eine andere Komposition aufweist. 4) Aber vielleicht gibt es kein edleres Gemälde der „Anbetung der Könige“ als die Fresken von Bernardino Luini in Saronno. Die schöne, bescheidene Jungfrau lehnt an der Wand der Krippe, dahinter sind ein Ochse und ein Esel zu sehen. Das göttliche Kind hält mit der linken Hand den Rand ihres Schleiers. Seine rechte Hand segnet den majestätischen alten Mann, den Zauberer, in luxuriöser Kleidung mit goldener Kette, dessen Schwert und Turban von einem hübschen jungen Mann gehalten werden. Hinter diesem alten Mann steht der junge Melchior, der als hübscher Äthiopier dargestellt wird; Auf der anderen Seite kniet Belsazar nieder und bietet seine Geschenke an. Einer aus dem Gefolge schützt seine Augen vor dem Stern, der über dem Dach scheint. Andere Mitglieder des Gefolges nähern sich dem Hügel und führen die Speere, Kamele und Giraffen an. Im Himmel singen Chöre wunderschöner Babyengel das Weihnachtslied. 5) Die Anbetung der Könige ist das beste Werk unter den Gemälden von Domenico Ghirlandaio in Florenz. Besonders schön ist der junge Mann, der mit dem Kelch auf der rechten Seite der Heiligen Jungfrau dient. Der ältere Gaspard nimmt den kleinen Fuß des göttlichen Kindes in seine große Hand und küsst ihn, während die Allerheiligste Maria verwirrt ihre Hand hebt. In der Ferne, auf beiden Seiten der Landschaft, sind Hirten zu sehen, die überrascht den Engel betrachten, der ihnen erschien, sowie ein Bild des Massakers an Säuglingen. Dieses Bild wurde im Jahr 1488 gemalt und sein bemerkenswertestes Merkmal ist die Darstellung zweier äußerst natürlich aussehender kleiner Kinder – neben Johannes dem Täufer auf der einen Seite und Johannes dem Evangelisten auf der anderen Seite. 6) Tintorettos Malerei ist ebenfalls sehr bemerkenswert und besticht durch eine wunderbare Manifestation seiner künstlerischen Kraft und seines Talents. Das ganze Bild stellt einen großen Stern dar, dessen Mittelpunkt Christus ist. Alle Figuren, sogar die Balken und Dächer, strahlen, und auf der kleinen Lichtfigur, über die sich alle beugen, flattern Engel, und der Stern selbst, der oben durch die Balken scheint, ist schon ein völlig zweitrangiges Objekt. Zwei Tauben als Hauptlichtpunkte auf der Vorderseite des Gemäldes erinnern den Betrachter an die Armut der Heiligen Mutter des Kindes, die von den Heiligen drei Königen Opfergaben und Anbetung erhält. Nichts kann gleichzeitig bescheidener und majestätischer sein als die Haltung der Könige, und gleichzeitig ist die Realität der Muttergottes äußerst interessant, wenn sie beim Vortreten überrascht und erfreut ihre Hand über die goldene Vase hebt, die gerade vor dem Kind platziert wurde, obwohl sie dies alles mit solcher Anmut und Ruhe tut, dass ihre Würde durch die Einfachheit dieser Handlung keineswegs verletzt wird. Der hinter ihm stehende Melchior trägt einen Helm auf dem Kopf und trägt eine glänzende Rüstung mit einem breiten Schwert in einer reichen Scheide; seine goldene Krone trägt er in der linken Hand, Belsazar, der dritte Zauberer, in prächtigem Gewand mit üppiger Stickerei, hält seine Opfergaben in seinen Händen; Die Augen aller drei Magier sind fest auf das göttliche Kind gerichtet. Sie alle, einzeln und gemeinsam, werden mit bemerkenswerter Anmut behandelt, und die Selbsterniedrigung von Reichtum und Stärke angesichts der schwachen Größe der machtlosen Mutter und des Kindes hat noch nie einen wahreren und schöneren Ausdruck gefunden. So sehen wir, mit welcher enthusiastischen Ehrfurcht (mit sehr wenigen und darüber hinaus unglücklichen Ausnahmen) die Vertreter der mittelalterlichen Kunst das erhabene Thema der Geburt Christi und ihrer Begleitumstände entwickelten und wie viel wahre religiöse Poesie sie in ihren wunderbaren Gemälden zeigten. Sie rechtfertigen voll und ganz die subtile Bemerkung des „Königs der Dichter“ Goethe, der sagte, dass der Mensch nur dann kreativ sei, wenn er religiös sei. Dies gilt gleichermaßen für alle Bereiche der Kunst. Der gleiche Ton hochreligiöser Poesie wurde von mittelalterlichen Künstlern beibehalten, die „die Kindheit und Jugend Jesu Christi“ darstellten, was im nächsten Buch besprochen wird. „Dio Menschen sind in Poesie und Kunst nur so lange produktiv, als sie religiös binden.“ Goethe Wir verwenden in diesem Fall das Werk von Canon Farrar „The Life of Christ as vertreten in der Kunst“, London 1694. Siehe Martigny, Dictionnaire des Antiquités chrétiennes unter dem Wort Nitivity, und auch in der Studie von Prof. N.V. Pokrovsky: „Das Evangelium in ikonografischen Denkmälern“, S. 50 ff. „Die schöne Mutter stand jubelnd neben der Krippe mit Heu, wo das Baby lag, dessen freudige Seele, von Jubel entflammt, von feierlicher Freude erfasst wurde.“ Die gleiche Bedeutung ist bei Vetus Itala erhalten: in medio duorum animalium innotesceris. Leider geht diese Bedeutung im russischen Synodentext völlig verloren, und dieser Vers wird im Einklang mit dem Masoretischen wie folgt gelesen: „Vollende dein Werk unter den Jahren, unter den Jahren offenbare es“, Habak. III, 2. Pistor, De Nativit. Domini. Dieses Gemälde befindet sich in Florenz an der Akademie der Künste. Eine solche heruntergekommene Scheune findet sich häufig auf Gemälden mittelalterlicher Maler, die dieses Symbol der Zerstörung der alttestamentarischen Wirtschaft darstellen wollten. M onkhouse, The Italian Pre-Raphaelites, S. 40. Fleury sagt: „In Rom und im Westen waren sie meist mit Hirten beschäftigt; während die Heiligen Drei Könige erstmals in den christlichen Denkmälern ständig auftauchen.“ In den sehr wenigen Darstellungen dieses Themas ist Jesus Christus stets pannis-evolventiert (in Lumpen gewickelt) wie ein italienisches Kind. Der Leser wird interessiert sein, das einzige Beispiel zu sehen, das Fleury für die Hirtenverehrung ohne die Heiligen Drei Könige kennt. Es ist einem Basrelief im Lateran entnommen und stammt aus dem 4. Jahrhundert. Der Hirte, erkennbar an seinem Pedum (Stab), wird von einem Engel geführt. Es befindet sich im Palazzo Martinengo. Für Lotto siehe Lanji, S.142. Pio, der besonders die mystische Schule bewunderte, schenkte diesem unvergleichlichen, bemerkenswerten Maler große Aufmerksamkeit, dessen beeindruckendes Genie Spuren verschiedener Einflüsse aufweist und Ähnlichkeiten mit Correggio aufweist. Correggio folgte diesbezüglich den Geschichten der apokryphen Evangelien: „Und so wurde alles mit einem Licht erfüllt, schöner als der Glanz von Lampen und Kerzen und heller als das Licht der Sonne“ 1 Der Künstler ist natürlich ein Sohn seiner Zeit, aber es ist schlecht für ihn, wenn er gleichzeitig sein Schüler oder gar sein Liebling ist.“ Schiller. Es gibt auch ein weiteres antikes Bild auf einem antiken Grab, das Fleury in seinem L'Evangile Pl. gegeben hat. XX. Abb.2; und eine weitere auf dem Friedhof von St. Peter und Marcellina, gestiftet von Lafenestre. Der 1379 verstorbene Mönch John Hildesheim schrieb „Die Geschichte der Heiligen Drei Könige*, – Historisches Trium Regum, – gedruckt von Vinkin de Worde im Jahr 1499“. Er sagt, dass die Heiligen Drei Könige „Könige von Indien, Chaldäa und Persien“ waren. Melchior war der König von Indien, Belsazar war der König von Gedalja und Arabien, Jasper war der König von Tarschisch und er war „von majestätischer Statur und ohne Zweifel ein schwarzer Äthiopier“. „Er war der erste Ungläubige, der an Christus glaubte.“ Der Ehrwürdige Bede sagt: „Die Heiligen Drei Könige meinen die drei Teile der Welt – Asien, Afrika und Europa.“ Der Legende nach war einer von ihnen 60 Jahre alt, ein anderer 40 und der dritte 20 Jahre alt. Ihre Namen tauchen erstmals 1179 in der Kirchengeschichte auf. In diesem Gemälde sind die Heiligen Drei Könige, wie Sie wissen, Porträts von Tizian, Raffael und Michelangelo. Es ist interessant festzustellen, dass in Botticellis Gemälde (nicht eines seiner besten Werke) der alte Zauberer ein Porträt von Cosma de‘ Medici darstellt und die anderen beiden Porträts von Giuliano (der 1616 starb) und Giovani (Leo X.) sind. Paolo Veronese hat dieses Motiv mindestens viermal gemalt, Rubens mindestens sechsmal.